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La vida en el taller de un artista del Renacimiento

La vida en el taller de un artista del Renacimiento

La mayoría de las grandes obras de arte del Renacimiento se produjeron en talleres grandes y ocupados dirigidos por un artista maestro exitoso y su equipo de asistentes y aprendices. Aquí, también, se produjo arte más mundano en mayores cantidades para satisfacer la demanda de clientes con un presupuesto más modesto que el que poseen los gobernantes y los papas. Los talleres también fueron campos de entrenamiento para artistas jóvenes que aprendieron su oficio durante varios años, comenzando con la copia de bocetos y tal vez terminando con la producción de obras en su propio nombre. Aunque los talleres a menudo tenían un 'estilo' de casa bien definido, también eran lugares donde se experimentaban ideas y donde se podían estudiar, debatir y emplear nuevas tendencias en obras de arte que iban desde frescos masivos hasta figurillas votivas.

El establecimiento de talleres

Las personas que producen arte y objetos decorativos, a las que hoy llamamos "artistas", durante el Renacimiento, fueron llamadas "artesanos" y, por lo tanto, pertenecían a la misma categoría amplia que los zapateros, panaderos, carpinteros y herreros. Al igual que estos artesanos, los artistas tenían talleres con el equipo, los materiales y el espacio especializados que necesitaban para su trabajo. A medida que avanzaba el Renacimiento, es cierto que los artistas comenzaron a distinguirse de otros artesanos porque había un elemento intelectual obvio en su trabajo: estudiaron el pasado y consideraron tales teorías como la perspectiva matemática, por ejemplo. Hasta ahora, el título de 'artista' solo se le había dado a alguien que hubiera estudiado las siete artes liberales (retórica, gramática, dialéctica, geometría, aritmética, música y astronomía). Este desarrollo y elevación del artista frente a otros artesanos también indicó que el arte se había convertido en un elemento esencial e importante en la forma en que una ciudad o estado se veía a sí mismo.

Cualquiera que sea el cliente, generalmente eran exigentes y el trabajo del artista del Renacimiento era producir exactamente lo que querían.

Durante el Renacimiento, muchos proyectos cívicos, pero también algunos privados, como los ciclos de frescos, podían tardar muchos años en completarse. Algunos proyectos necesitaban grandes cantidades de material y un equipo de artistas, generalmente bajo la supervisión del artista principal o su capataz, para completarlos a tiempo. En consecuencia, cuando se encargaba a artistas maestros para proyectos específicos, a menudo se les daba un espacio dedicado para crear un taller si aún no tenían uno o si era más conveniente trabajar en el lugar. Donatello (c. 1386-1466 d. C.), por ejemplo, recibió el encargo de crear esculturas para el exterior de la catedral de Florencia y se le dio espacio para su taller en una de las capillas del Duomo. Dirigir un taller requería todo tipo de habilidades además de las artísticas. Un maestro tenía que ser exigente con los contratos, administrar y capacitar al personal, evaluar la calidad de las materias primas, presupuestar sus finanzas, invertir las ganancias y, por supuesto, nunca dejar de producir grandes obras de arte.

Algunos artistas de gran éxito incluso realizaron talleres en dos o más ciudades al mismo tiempo. Al igual que hoy, una carrera en las artes podría ser precaria y algunos artistas redujeron la carga financiera y los riesgos al compartir un taller. Donatello y Michelozzo di Bartolomeo (1396-1472 d.C.), por ejemplo, compartieron talleres en Pisa y Florencia, lo que les permitió ahorrar fondos al compartir dos botes y una mula para el transporte del mármol necesario para su trabajo.

Los clientes

Durante el Renacimiento, en términos generales, el arte no se produjo primero y luego se vendió más tarde, como suele ocurrir en la actualidad, sino que se encargó a los artistas que produjeran piezas específicas. Las obras de arte eran caras, por lo que los clientes de un taller eran normalmente gobernantes, aristócratas (hombres y mujeres), banqueros, comerciantes exitosos, notarios, miembros superiores del clero, órdenes religiosas y autoridades cívicas y organizaciones como gremios. Los clientes más humildes pueden encargar trabajos para ocasiones muy especiales, como un matrimonio o mudarse a una nueva casa. Otra demanda popular de obras de arte fueron los exvotos, es decir, objetos como placas y pequeños relieves que los creyentes querían dejar en su iglesia local como agradecimiento por los eventos propicios que habían sucedido en su vida diaria. Estos exvotos eran parte de la minoría de obras que un taller produjo sin haber identificado primero a un comprador específico, por lo que probablemente habrían estado disponibles 'sin receta' para que un cliente pudiera elegir.

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Sin embargo, quienquiera que fuera el cliente, generalmente eran exigentes y el trabajo del artista era producir exactamente lo que querían. Esto no fue un mero capricho de los mecenas, ya que en ese período el arte no estaba destinado simplemente a ser estéticamente agradable. Más bien, las obras de arte tenían funciones específicas como inspirar devoción, contar una historia bíblica o representar la historia y las habilidades de una determinada ciudad o familia gobernante. Por esta razón, el artista tuvo que seguir ciertas convenciones para que los espectadores pudieran reconocer fácilmente personajes religiosos, mitológicos e históricos.

Los aprendices típicamente, pero no siempre, siguieron a sus padres en la profesión artística, como era común en otros oficios.

Por tanto, los patrocinadores y los clientes a menudo no eran tímidos a la hora de estipular exactamente lo que querían ver en el trabajo terminado. Los artistas que se apartaban de estas estipulaciones se arriesgaban a que su trabajo no fuera aceptado o reemplazado (en el caso de un fresco, por ejemplo). El regateo por el diseño y los honorarios de los artistas retrasó muchos proyectos, ya sea la tumba de un Papa o la estatua de un líder militar. Los contratos a menudo estipulan una fecha de finalización precisa, y esto podría ser otra fuente de fricción entre el mecenas y el artista. El contrato podría incluir una cláusula sobre la cantidad de material precioso, desde oro hasta colores caros, se utilizó en la comisión. Es posible que una obra terminada tenga que pasar una evaluación por parte de un cuerpo de artistas independientes en el caso de obras públicas para garantizar una alta calidad. Sin embargo, algunos artistas eran lo suficientemente famosos como para presionar por el control total de un proyecto determinado, incluso si a veces hubo una protesta de los tradicionalistas cuando el trabajo finalmente se reveló al público. Los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel son un buen ejemplo de esto cuando algunos clérigos objetaron la cantidad de desnudez en su trabajo. El hecho de que la destrucción de los frescos se haya contemplado seriamente indica cuán peligroso era para un artista diferir de lo convencional, incluso uno tan famoso como Miguel Ángel.

Había una gran rivalidad entre ciudades italianas como Florencia, Venecia, Mantua y Siena, por lo que no era raro que los gobernantes y las autoridades cívicas intentaran robar a un artista de una ciudad y establecer un nuevo taller en otro lugar. Estas autoridades esperaban que el nuevo arte producido aumentara el prestigio de su ciudad y de ellos mismos. Además, algunos artistas tenían tal demanda que aceptaron más encargos de los que podían manejar y, por lo tanto, las obras quedaron sin terminar o tuvieron que ser completadas por un asistente. Leonardo da Vinci (1452-1519 d.C.) fue conocido por no terminar los proyectos, y los mecenas del arte incluso se escribieron entre sí advirtiendo de esta falla.

Los aprendices

Los talleres no eran solo lugares donde se producía arte, sino que eran escuelas de formación para la próxima generación de artistas. Los aprendices típicamente, pero no siempre, siguieron a sus padres en la profesión artística, como era común en otros oficios. Otros niños que mostraron talento artístico fueron enviados al taller de un artista famoso. Lorenzo Ghiberti (1378-1455 EC), el famoso escultor que trabajó durante décadas en las puertas del Baptisterio de Florencia, tenía un gran taller en esa ciudad. Muchos artistas estudiaron con Ghiberti o trabajaron como su asistente, en particular el escultor Donatello y el pintor Paolo Uccello (1397-1475 CE). En otro ejemplo, el artista florentino Andrea del Verrocchio (c. 1435-1488 CE) entrenó a Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE), Sandro Botticelli (1445-1510 CE) y Leonardo da Vinci. Perugino mismo continuaría formando a Rafael (1483-1520 d. C.) en su taller de Perugia. El mundo del arte del Renacimiento era realmente bastante pequeño y los artistas famosos sin duda eran conscientes de lo que estaban produciendo sus rivales, ya sea en la habitación contigua del taller o en otra ciudad.

Los aprendices eran casi todos varones (ocasionalmente un artista aprendía a su propia hija), y podían ser contratados desde los once años o en la adolescencia. La formación suele durar de tres a cinco años, pero podría ser menor o mayor, según la capacidad y el progreso del aprendiz. El aprendiz recibió comida, alojamiento y ropa, y a veces un pequeño salario. Comenzarían por realizar las sencillas tareas laborales necesarias para el funcionamiento diario del taller, luego pasarían a hacer cepillos de pelo de jabalí, preparando colas y triturando pigmentos en palanganas de mármol. Luego vinieron tareas como mezclar yeso, hacer yeso y preparar lienzos.

Las habilidades artísticas reales generalmente comenzaron con el dibujo (con carbón o tinta), al que se le dio un gran énfasis en el período del Renacimiento. Los aprendices copiaron infinitamente dibujos hechos por otros y luego progresaron para crear nuevos a partir de moldes tridimensionales. La etapa final consistió en dibujar modelos en vivo, a menudo compañeros aprendices vestidos como pastores y ángeles o desnudos o con ropa que permitiera a un artista perfeccionar su representación de cortinas dobladas. Otra fuente de realidad fue el dibujo de cadáveres y miembros disecados, que fueron adquiridos de médicos locales y considerados una forma útil para que los pintores y escultores comprendan mejor la musculatura humana para luego poder representarla mejor con precisión en el arte. Se organizaron viajes por la ciudad para dibujar edificios, árboles y pájaros. Como una vez recomendó Leonardo da Vinci, cualquier artista que se precie debe llevar siempre consigo un cuaderno de bocetos para estar listo para capturar un tema nuevo e interesante.

Durante el Renacimiento, era común que los aprendices aprendieran habilidades en diferentes medios, como el fresco, la pintura sobre paneles con témpera o pinturas al óleo, la escultura a gran escala en piedra y metal, el grabado, el trabajo en mosaico y los secretos del orfebre. Los artistas jóvenes aprendieron habilidades prácticas tales como cómo moldear esculturas en metales como el bronce y cómo unir estas piezas. Aprendieron las técnicas de 'perseguir' (acabado y pulido) y dorar las obras terminadas. Aprendieron a mezclar colores y estudiaron técnicas como claroscuro (el uso contrastante de la luz y la sombra), sfumato (la transición de colores más claros a más oscuros) y cómo lograr una sensación de perspectiva en una escena. Finalmente, y sobre todo, un aprendiz aprendería a reproducir los métodos artísticos distintivos del maestro del taller, el 'estilo' de la casa.

Los asistentes

Un aprendiz, después de haber aprendido todas las habilidades anteriores, se graduaría para convertirse en asistente. Ahora recibía un salario completo y podía trabajar en nombre del artista principal del taller, quien luego podía firmar con su propio nombre la obra de arte terminada (aunque algunos contratos estipulaban que los elementos importantes de una pieza debían ser creados por el propio maestro). Se confiaría en un asistente talentoso para completar las partes menos importantes de una obra que el maestro estaba creando, por ejemplo, las manos de una figura, una escena de fondo o aplicando áreas de pan de oro. Uno puede imaginar que a los asistentes menos dotados se les encomendaran tareas aún más menores, como agregar inscripciones y etiquetas a las obras de arte, una práctica bastante común en el período del Renacimiento.

Un asistente también puede unirse a un gremio de su ciudad y así poder producir obras por derecho propio, incluso si todavía pueden permanecer en el taller en lugar de establecerse ellos mismos, como fue el caso de Leonardo da Vinci al principio de su carrera. . Si querían establecer su propio taller, primero tenían que presentar una 'obra maestra' para la aprobación de su gremio local, que luego les otorgaría el derecho a hacerlo (previo pago de una tarifa). Otro grupo dentro del equipo del taller, uno de los cuales rara vez se menciona pero que, sin embargo, ocasionalmente se documenta como existente, eran esclavos. A diferencia de un aprendiz o asistente, no recibían salario, pero un esclavo podía, además de realizar tareas tan obvias como buscar, transportar y limpiar, capacitarse en artes específicas y producir sus propias obras.

Además de la producción de objetos físicos, las ideas fueron estudiadas y discutidas en el taller entre el maestro y sus asistentes. Muchos artistas destacados construyeron sus propias colecciones de antigüedades o carpetas de dibujos de arte antiguo para que el estudio de estos pudiera ayudar al taller a reproducir correctamente detalles anatómicos, proporciones o motivos clásicos. También había textos escritos sobre arte y técnicas. Leon Battista Alberti (1404-1472 CE) escribió uno de esos tratados influyentes, En la pintura en 1435 CE. El maestro también puede tener contactos con otros artistas en otras ciudades o en el extranjero, otra ruta para que las ideas y tendencias se filtren hasta los artistas del mañana. Como se mencionó, estos estudios teóricos fueron un elemento esencial en la progresión de los artistas hacia un estatus más intelectual y elevado en la sociedad renacentista.

Producción en masa y falsificaciones

A pesar de toda esta atención al aprendizaje artístico y la teoría, muchos talleres se convirtieron en fábricas de arte y la mayor parte de su producción no fueron las obras maestras que vemos hoy en los museos de todo el mundo, sino piezas más mundanas destinadas a la decoración de iglesias menores y casas menos palaciegas. El taller de Perugino, por ejemplo, se destacó por producir un sinfín de retablos cuyas figuras combinaban poses, cabezas y miembros extraídos de un catálogo estándar de dibujos. Estas obras fueron hechas a mano e individualizadas mediante la combinación única de elementos por lo demás estándar, pero eran el arte producido en masa del día y criticado como tal por los amantes del arte más fino. Fue en estos trabajos más humildes donde la mayoría de los aprendices habrían aprendido su oficio.

Otro método para aumentar los ingresos y difundir la reputación de un taller era producir impresiones en plancha de cobre. Estos se hicieron cada vez más populares a partir de la década de 1470 en adelante y no solo permitieron a los de medios más modestos poseer una obra de arte, sino que también ayudaron a difundir ideas artísticas en toda Europa. Artistas como Alberto Durero (1471-1528 d. C.), entre muchos otros, compilaron carteras de grabados y bocetos de interesantes obras de arte de otros artistas. El nivel de artesanía empleado para producir grabados podía ser muy alto, e incluso los entendidos comenzaron a coleccionar impresiones finas.

Finalmente, una actividad secundaria lucrativa, o para algunos talleres más dudosos, mucho más que eso, fue la producción de antigüedades falsas. Tal era la demanda de piezas egipcias, etruscas, griegas y romanas, que algunos talleres produjeron versiones modernas y las hicieron pasar como obras antiguas, incluso a veces organizando un 'descubrimiento' arqueológico en un sitio de apariencia probable. Alternativamente, se agregaron nuevas inscripciones a piezas antiguas genuinas para hacerlas más vendibles. Por la misma razón, los talleres a menudo agregaban extremidades y narices faltantes a estatuas antiguas o remodelaron piezas más antiguas, difuminando aún más las líneas entre lo que era antiguo y lo que era arte nuevo, una práctica que ha desafiado a los historiadores del arte desde entonces.


Jan van Eyck - biografía y legado

Jan van Eyck nació en la pequeña ciudad de Maaseyck, entonces conocida como Eyck, cerca de un meandro del río Maas a unas 14 millas de Maastricht, la capital provincial de la actual Limburgo. La historia de la región se remonta a la era del Imperio Romano, y más tarde se convirtió en un centro religioso durante el período medieval temprano. En particular, el cercano distrito de Aldeneik remonta su historia a principios del siglo VIII, con la fundación de la Abadía de Aldeneik por dos hermanas de una noble familia terrateniente que había sido educada en una abadía benedictina en Valenciennes.

Se conocen pocos detalles de la infancia de van Eyck, incluido el año exacto de nacimiento del artista, que la mayoría de los eruditos fechan entre los años 1385 y 1395. Se cree comúnmente que es el hermano menor de Hubert (también: Huybrecht), con hermanos adicionales Lambert ( o Lambrecht) y Margaret, todos identificados como pintores. Se teoriza que Hubert se hizo cargo de la educación artística de Jan y lo convirtió en su "discípulo" más joven en su casa de Gante. Debido a que se escribió poco sobre Hubert durante su vida, murió en 1426 antes de la finalización de la Retablo de Gante, su papel como artista y su relación con Jan sigue siendo un punto de discordia entre los historiadores. El hermano menor, Lambert, se menciona en documentos judiciales posteriores y algunos creen que se hizo cargo del taller de Jan van Eyck después de la muerte de su hermano.

Periodo temprano

Aunque van Eyck está considerado entre los más grandes maestros de la historia del arte europea, abunda el debate continuo en torno a la biografía del artista e incluso la autoría de algunas de sus obras. Las pocas obras atribuidas como las primeras pinturas de van Eyck se encuentran entre las obras en disputa. Los ejemplos más conocidos son las miniaturas en el Turín-Milán Libro de horas, un manuscrito iluminado con una asombrosa historia propia. El libro fue encargado c. 1380, poco después la sección más famosa del libro, Tres Belles Heures de Nortre Dame pintado por Jean d'Orléans, los hermanos Maelwael y los hermanos Limbourg fue producido bajo la comisión de Jean, duc du Berry, a quien Friedländer describe como "un bibliófilo apasionado". El libro entró en posesión de Juan de Baviera, también conocido como "Juan III el Despiadado, Conde de Holanda y Hainaut", a principios de la década de 1420, aproximadamente al mismo tiempo que Jan van Eyck entró en su servicio, lo que llevó a los estudiosos a creer que una selección de iluminaciones creados por un artista anónimo, conocido simplemente como "Hand G", fueron creados por la mano de Jan van Eyck. Además, se teoriza "Mano H" para demostrar el trabajo de Hubert van Eyck. Más tarde, el libro pasó a manos de Felipe el Bueno, lo que generó más especulaciones sobre la participación del artista. La falta de documentación específica, y con la desgracia añadida de un incendio en 1904 que destruyó gran parte del libro de oraciones en cuestión, deja estas atribuciones lejos de ser seguras.

Sin embargo, el comienzo de la década de 1420 resultó ser un momento crucial tanto para Hubert como para Jan van Eyck, ya que el primero recibió el encargo de lo que se convertiría en el Retablo de Gante en 1420 y este último, obtuvo el rango de pintor de la corte de Juan de Baviera. Dos de los cuatro documentos supervivientes que nombran a Hubert se relacionan con el retablo en sí. El cargo de Jan en la corte se documenta por primera vez con pagos que datan de 1424, aunque presumiblemente el cargo comenzó antes.Con un estudio de pintura formal y asistentes contratados para ayudar y copiar sus pinturas, como era la costumbre de la época, la reputación de van Eyck comenzó a extenderse por toda Europa. Su innovadora técnica de superposición de capas delgadas de pintura al óleo trajo un realismo asombroso a los espectadores de la época. Casi un siglo después, el pintor, arquitecto, escritor e historiador del siglo XVI Giorgio Vasari llegó a acreditar al artista con la invención del medio, escribiendo: "Fue una invención muy hermosa y una gran conveniencia para el arte de la pintura. , el descubrimiento de la coloración al óleo ". Esta historia legendaria atribuida al artista fue ampliamente creída hasta principios del siglo XIX. En su propio tiempo, Jan van Eyck fue reconocido internacionalmente por los exquisitos detalles tanto en sus pinturas religiosas como en sus retratos seculares. Se le encomendó pintar los retratos de algunas de las personas más influyentes de Europa durante su carrera.

Período de madurez

Después de la muerte de Juan de Baviera en enero de 1425, Felipe el Bueno, duque de Borgoña, incorporó Holanda bajo su gobierno, así como muchas de las posesiones del ex duque y nombramientos judiciales. Friedländer señala: "Tan pronto como fue posible después de la muerte de su primo holandés-bávaro, el duque nombró al pintor a su propia corte, enorgulleciéndose del hecho de que el maestro, a quien honraba y estimaba tan altamente, era al menos formalmente, un miembro de su séquito ". Los registros judiciales documentan que Jan van Eyck fue nombrado pintor de la corte y valet de chambre el 19 de mayo de 1425, y fue compensado por los gastos de un viaje de Brujas a Lille en agosto de ese año. Además de sus deberes como pintor de la corte, el cargo de ayudante de cámara fue un título de distinción que le otorgó una posición oficial en la corte, un estatus inusualmente alto para un artista a principios del siglo XV. Su aparición como pintor coleccionable siguió en general a este nombramiento y, a partir de este momento, su actividad en la corte está comparativamente bien documentada.

Con su empleo judicial y su posición social excepcionalmente bien remunerados, van Eyck mantuvo la independencia del gremio de pintores de Brujas y al mismo tiempo mantuvo sus propias comisiones más allá de sus deberes en la corte. En 1427, el artista viajó a Tournai para asistir a un banquete en la fiesta de San Lucas, con la asistencia de otros artistas destacados como Robert Campin y Rogier van der Weyden. Algunos escriben que fue nombrado miembro principal del gremio en ese momento. Van Eyck vuelve a visitar al año siguiente, aunque se desconoce el motivo. Felipe el Bueno también envió a Jan en misiones de extrema confianza, descritas en los registros como "ciertos viajes lejanos y secretos", posiblemente incluyendo una peregrinación de Felipe a Tierra Santa, y extensos viajes a Italia, donde conoció a artistas florentinos, en particular a Masaccio. , a Inglaterra, y quizás a Praga entre 1427 y 1436. Su fuerte memoria visual le permitió recordar a muchas personas y escenas históricas que siempre fueron útiles en sus pinturas. Más conocido es el bien documentado viaje diplomático a Lisboa en 1428, donde pintó dos retratos de la princesa Isabel de Portugal, que sería la tercera esposa de Felipe. Las pinturas fueron enviadas al duque por separado, una por tierra y otra por mar. Desafortunadamente, aunque Felipe recibió ambos retratos de compromiso, ahora se han perdido y solo quedan copias.

La confianza depositada en van Eyck en estos viajes en representación del duque sugiere la cercanía e incluso la admiración que Philip sentía por el artista. Aunque no tenía una educación formal, van Eyck sabía leer y escribir, demostrando su conocimiento del latín, griego y hebreo a través de inscripciones en sus pinturas y sus marcos distintivos. Un incidente bien conocido transcrito en Wolfgang Stechow Arte del Renacimiento del Norte: fuentes y documentos destaca el respeto que Philip tenía por el artista. Cuando el tesoro retuvo el pago del artista, el duque reprendió esta decisión, escribiendo: "Hemos escuchado que no verifica fácilmente algunas de nuestras cartas que otorgan una pensión vitalicia a nuestro querido pintor escudero, Jan van Eyck, por lo que no puede ser pagó dicha pensión y por ello, se verá en la necesidad de dejar nuestro servicio, lo que nos causaría un gran disgusto, pues lo retendríamos para ciertas grandes obras con las que pretendemos ocuparlo en adelante y no encontraremos más el suyo. a nuestro gusto, uno tan excelente en su arte y ciencia ". Posteriormente, van Eyck recibió sus pagos anuales sin falta.

Un logro inusual, y quizás menos documentado, de van Eyck es señalado por el autor y conferencista de ciencia y humanidades, Scott L. el mismo tema de Leonardo da Vinci por 85 años. Él atribuye este logro al "artista flamenco Jan van Eyck, posiblemente en colaboración parcial con su hermano, Hubert" como ocurrido entre 1420 y 1437. "Estas imágenes, que retratan la Luna durante el día, aparecen en las siguientes pinturas: Crucifixión (1420-25), Santa Bárbara (1437) y el Caballeros de cristo panel de los renombrados Retablo de Gante (1426-1432). "Contrasta esto con la interpretación alegórica que se suele dar a los objetos celestes, o" personificación de una figura religiosa o mítica ", al concluir:" Tal realismo es sin duda el resultado de un estudio cuidadoso y directo de los objetos individuales en el ambiente natural."

El historiador de arte Jelte Dijkstra, que escribió sobre los aspectos técnicos de los primeros artistas holandeses, distinguió al artista de sus compañeros y escribió: "Jan van Eyck parece ser excepcional: si se pudiera decir que alguno de los primeros pintores neerlandeses produjo 'auténticos' obras, es este artista. Ocho pinturas firmadas y fechadas sobreviven, sin incluir la Retablo de Gante con su inscripción contenida ". El análisis técnico continúa una investigación de varios siglos en las exquisitas superficies de la pintura holandesa, más notablemente van Eyck y Rogier van der Weyden. La búsqueda ha tratado de comprender el tipo de aceite y otros aglutinantes de pigmentos utilizados por el artista y un nivel seguro de conocimiento para determinar con precisión la autoría. Al describir los resultados iniciales de estas pruebas, Dijkstra continúa: "Los datos técnicos en los paneles publicados hasta ahora crean una impresión muy consistente del estilo de dibujo inferior, el método de trabajo, y la aplicación de la pintura. Esta consistencia y el pequeño tamaño de la mayoría de estos paneles sugieren que Jan van Eyck hizo todo el cuadro él mismo, aunque eso no es seguro ".

Periodo tardío

Al final de su carrera, van Eyck y sus contemporáneos establecieron el retrato como una forma de arte importante. El artista tenía una lista internacional de mecenas adinerados que le encargaron que registrara sus imágenes o creara pinturas devocionales. En sus composiciones más complicadas, Jan fue capaz de construir un mundo pictórico convincentemente unificado y lógico con absoluta quietud física y lleno de energía espiritual. Su fama internacional está mejor documentada en Italia, como señala Susie Nash, profesora de Arte Renacentista, en su libro titulado, Arte del Renacimiento del Norte, en el que documenta a escritores humanistas, "como Cyriacus d'Ancona (1449), Bartolommeo Fazio (1456), Francesco Florio (1477) y Giovanni Santi (1482). [que dan] testimonio de la fama de los pintores holandeses. " D'Ancona, por ejemplo, escribió que las pinturas de van Eyck parecían "no por el artificio de manos humanas, sino por la misma naturaleza omnipotente". Bartolommeo Fazio, quien describió a van Eyck como "el pintor principal" de su época en su De viris illustribus, también señaló: "No es analfabeto, particularmente en geometría y artes que contribuyen al enriquecimiento de la pintura, y se cree que por esta razón ha descubierto muchas cosas sobre las propiedades de los colores registradas por los antiguos y aprendidas por él de leyendo a Plinio y otros autores ".

En 1431, después de sus numerosos y prolongados viajes para el duque, Jan compró una casa con fachada de piedra en Brujas. Se casó con una mujer mucho más joven llamada Margareta, de una clase más baja pero aún noble, que le dio diez hijos. En 1434, el duque Felipe fue el padrino en el bautizo de su primer hijo, llamado Felipe o Filipina, aumentó el salario de Jan y le dio seis copas de plata hechas por un orfebre en Brujas especialmente para el bautismo del niño. Dos años más tarde es el último "viaje secreto" documentado que van Eyck haría en nombre del duque. Philip continuó apoyando a la familia van Eyck, incluso después de la muerte del estimado artista en 1441. Ayudó a una de las hijas del artista a comprar la entrada a un convento y extendió los pagos del artista a su viuda. Tras la muerte de Jan, se dice que su hermano menor, Lambert, se instaló en la finca, se hizo cargo del taller del artista con sus muchos encargos inconclusos y luego supervisó su cierre. Lambert también fue responsable de exhumar el cuerpo de su hermano para volver a enterrarlo dentro de la Catedral de San Donatiano en Brujas.

El legado de Jan van Eyck

Jan van Eyck fue una fuerza líder en la pintura flamenca del siglo XV, debido a sus innovaciones en el uso de la perspectiva óptica y el manejo de la pintura al óleo. Las transiciones graduales entre áreas de color ahora eran posibles debido al tiempo de secado más lento de la pintura al óleo que, en comparación con el temple al huevo, permitió que los colores se usaran más específicamente para representar la perspectiva, el espacio profundo y el modelado realista. Aunque el espectro de su hermano, Hubert, criado por la propia dedicación de Jan, se encuentra en el Retablo de Gante, ha despertado dudas sobre la verdadera autoría de esta y otras obras tempranas, lo que queda claro es la gran cantidad de documentación y elogios otorgados a Jan durante y después de su vida eclipsa la escasez de materiales con respecto a la carrera de Hubert.

Alistair Smith, ex curador de pintura flamenca y alemana en la National Gallery de Londres, describió: "En términos tanto del desarrollo del medio al óleo como del naturalismo, Jan van Eyck es uno de los fundadores de la pintura moderna". De hecho, el alcance de van Eyck ha sobrevivido con creces a su propio tiempo, cuando fue una gran influencia para otros pintores del norte, como los contemporáneos Rogier van der Weyden e incluso las obras posteriores de Robert Campin, y sus sucesores, incluidos Petrus Christus y más tarde, Hans. Memling. En particular, en un viaje a Gante en abril de 1521, el famoso pintor y grabador renacentista alemán Alberto Durero fue llevado a ver el Retablo de Gante donde describió: "Me acababan de tomar por algo grandioso. Luego vi el cuadro de Jan van Eyck es una pintura preciosa, llena de pensamientos. Eva, María y Dios Padre son especialmente buenos ". Durero absorbió muchas facetas del estilo de van Eyck, además de la naturaleza precisa de su naturalismo, evocando también su retrato de tres cuartos, creando una firma estilizada, y señaló por los historiadores del arte Jeroen Stumpel y Jolein van Kregten, su "contraste eyckiano entre los muy cerca y muy lejos ".

La influencia de los primitivos flamencos más tarde pareció debilitarse a medida que el renacimiento clásico de la pintura italiana se trasladó gradualmente a las regiones del norte de Europa. Sin embargo, a medida que las colecciones de importantes obras holandesas pasaron a nuevas manos, especialmente en 1516 a Margarita de Austria, regente de los Habsburgo de los Países Bajos, cuya obra de arte fue heredada más tarde, a través de María de Hungría por el rey Felipe II de España, donde se observó por primera vez en un inventario de 1558. Aquí, una pintura menor de las hijas de Philip puede haber sido influenciada por las posturas en la famosa obra de van Eyck. Retrato de Arnolfini. Lo que se reconoce más ampliamente es la influencia de esta pintura en los famosos Las Meninas por el preciado pintor de la corte de Felipe IV y figura destacada del barroco español, Diego Velázquez. En esta última obra, el uso similar de un espejo por parte del pintor español para completar la narrativa visual y conceptual de la pintura ha resultado tan confuso para los estudiosos como la obra anterior de Van Eyck. Velázquez Las Meninas influiría, a su vez, en el pintor romántico Francisco José de Goya y Lucientes, como se evidencia en los grabados de la obra maestra de Velázquez junto con la propia representación de Goya de la familia real, aunque con cierto sentido de la ironía. Durante el período romántico, se reavivó el interés por el Renacimiento del Norte, junto con un creciente interés en los logros de los artistas y arquitectos que trabajaron en la era gótica.

El aparentemente pequeño y modesto Retrato de Arnolfini volvería a llamar la atención después de entrar en posesión de la Galería Nacional de Londres en 1842, más de 400 años después de que fuera encargada por primera vez por el rico comerciante. Fue en este momento que un grupo de jóvenes artistas rebeldes de la Real Academia Británica trató de revertir la influencia del presidente fundador Sir Joshua Reynolds, a quien otorgaron la condescendencia Sir "Sloshua" Reynolds, y siglos de lo que describieron como una imitación de los maestros del Renacimiento, Rafael por encima de todos los demás. Para los prerrafaelitas, como se les llamaba colectivamente, la sorprendente veracidad de esta pequeña pintura se hacía eco de los finos detalles vistos en las primeras fotografías, un proceso inventado recientemente. Esta pintura fue casi profética en su modernidad. Una exposición reciente en la National Gallery de Londres, titulada Reflexiones: van Eyck y los prerrafaelitas (2017-2018) continuó la exploración de esta relación centrándose de cerca en el uso del espejo por parte de este último grupo de artistas. El estilo de van Eyck y los primitivos flamencos también se acredita como un elemento clave del alejamiento de Grant Wood de sus primeros lienzos impresionistas, los cuales vio durante sus primeros viajes por Europa. Más recientemente, los artistas asociados con el movimiento pop surrealista contemporáneo, incluidas figuras destacadas como el esposo y la esposa Mark Ryden y Marion Peck, cuentan a los maestros flamencos y Jan van Eyck como una influencia temprana clave.


Recursos de aprendizaje del Renacimiento italiano

En la mayor parte de Europa, la artesanía y las profesiones se han regido durante siglos, desde la expansión de pueblos y ciudades a principios de la Edad Media. Estas asociaciones juradas controlaban el comercio, limitaban la competencia externa, establecían estándares de calidad y establecían reglas para la formación de aprendices. La membresía solía ser obligatoria: solo los miembros del gremio podían practicar sus oficios dentro de una ciudad y su territorio. La mayoría de los gremios se originaron como organizaciones religiosas. Continuaron cumpliendo una función social y religiosa, organizando celebraciones en los días festivos, patrocinando hermandades laicas y brindando apoyo caritativo a las viudas y familias de sus miembros.

En la década de 1200, los pintores florentinos se habían unido al Arte dei Medici e Speziali, el gremio de médicos, boticarios y comerciantes de especias. Su asociación con estas profesiones no es tan improbable como puede parecer a primera vista, ya que los boticarios y los comerciantes de especias eran proveedores de pigmentos. Los pintores y los médicos también compartían un santo patrón: Lucas, que era a la vez médico y artista (y se dice que pintó a la Virgen y el Niño de la vida). Los orfebres y los que trabajaban con hilo de oro pertenecían al Arte della Seta, junto con los trabajadores de la seda. Escultores y carpinteros eran miembros del Arte dei Maestri di Pietra e Legname. Los arquitectos no tenían un gremio per se. La mayoría de los arquitectos también trabajaron en otras artes, muchos trabajaron principalmente como escultores, como hemos visto.

El Monumento a la Cuatro mártires coronados

Nanni di Banco
El monumento a la Cuatro mártires coronados (Quattro Santi Coronati), detalle del relieve, 1415
Mármol
Orsanmichele, Florencia
Alinari / Art Resource, Nueva York

Este relieve que muestra a los escultores trabajando fue parte de un encargo del gremio de escultores y talladores de madera de Florencia. Formó la base para un grupo de cuatro figuras monumentales ubicadas en uno de los nichos en Orsanmichele, donde cada uno de los diversos gremios colocó una estatua de su santo (s) patrón (s). Las figuras de este relieve, al igual que las estatuas que estaban encima de ellas (también talladas por), representan a los Cuatro Mártires Coronados. Según la leyenda medieval, estos cuatro albañiles que vivían en la época de se habían negado a tallar una estatua pagana.

A finales del siglo XIII, los Medici e Speziali también incluían barberos, sopladores de vidrio, libreros, alfareros y fabricantes de todo tipo de artículos, desde cuchillos hasta máscaras, pelotas de tenis y raquetas. A medida que se elevaba el estatus de los artistas, las antiguas asociaciones con los oficios y oficios manuales se empezaron a considerar sofocantes para las aspiraciones profesionales de los artistas. A principios del siglo XIV, los pintores de Florencia obtuvieron una independencia limitada del gremio para formar la Compañía de San Lucas, una asociación que se originó y continuó funcionando como religiosa. Aunque inicialmente fue fundada para pintores, su membresía no estaba restringida. Las primeras listas también incluyen sastres, queseros, batidores de oro y algunas mujeres, personas que quizás tenían una devoción particular por el santo. Algo más tarde, también se admitieron escultores. El hecho de que los escultores y pintores vieran sus intereses unidos y distintos de otros oficios representados en sus gremios sugiere una nueva percepción sobre las artes. Aunque la formación en talleres continuaría más o menos sin cambios a lo largo del Renacimiento, los artistas se veían cada vez más a sí mismos como practicantes de un arte liberal. Surgieron nuevas instituciones que reflejaron esta transformación y ayudaron a promoverla.


Cronología de Rafael

Cuando hablamos de los chicos de oro en la historia del arte, se entiende que el maestro italiano del Alto Renacimiento Raphael (1483-1520) vive en el aire enrarecido del súper estrellato de 24K. Sus bellas composiciones y serenas Madonnas han sido admiradas desde que las pintó, y fue famoso como artista. antes de él murió. Además de ser increíblemente talentoso, también era rico, encantador, extremadamente guapo, inmensamente popular, flagrantemente heterosexual y bien educado, conectado y vestido.

¿Raphael simplemente nació bajo una estrella de la suerte? ¿O tenía sus problemas como tú y yo? Echemos un vistazo cronológico a su vida, y luego dependerá de usted decidir.

Raphael, como se llamará Raffaello Santi en el futuro, nace el viernes 28 de marzo (usando el calendario gregoriano) o el viernes 6 de abril (usando el juliano), en la ciudad ducal de Urbino. Cualquiera de las fechas funciona como Viernes Santo, por lo que esta es una pieza de información que Giorgio Vasari registrará con precisión a mediados del siglo XVI.

Los orgullosos padres son Giovanni Santi (ca. 1435 / 40-1494) y su esposa, Mágia di Battista di Nicola Ciarla (m. 1491). Giovanni es de una familia de comerciantes adinerados que tradicionalmente tiene su sede en Colbordolo, una comuna ubicada aproximadamente a siete millas de Urbino en la región de Marche. Mágia es hija de un próspero comerciante de Urbino. La pareja tendrá tres hijos, pero solo Raphael está destinado a sobrevivir a la infancia.

La pequeña familia celebra otro "nacimiento" cuando Giovanni, que trabaja en Urbino como artista de la corte y poeta, pone en funcionamiento su taller a mediados de octubre.

También sucedió en 1483:

  • Aunque probablemente haya estado allí durante meses, la presencia de Leonardo en Milán se documenta por primera vez. Comienza a trabajar en el primero de dos Virgen de las rocas versiones. Éste acabará en el Louvre.
  • Martín Lutero nace en Eisleben, Sajonia, el 10 de noviembre.
  • Giuliano della Rovere es nombrado obispo de Bolonia y encarga un tríptico de la Natividad con Santos para la Capilla Sixtina de la Catedral de Savona.
  • Sandro Botticelli presumiblemente pinta El nacimiento de Venus.
  • Carlos, de trece años, es coronado como Carlos VIII, rey de Francia, el 30 de agosto.

La infancia de Rafael sufre un duro golpe cuando su madre, Mágia, muere de fiebre puerperal el 7 de octubre. El infante, una niña anónima, morirá el 25 de octubre.

Hasta ahora, su vida ha sido agradable. Ha visto a Giovanni practicar su oficio, ha comenzado a aprender las formas en que uno se comporta en la corte y ha disfrutado de la atención indivisa de su madre. De cara al futuro, la infancia de Raphael no será Naciones Unidasagradable, pero definitivamente faltará en un área crucial.

Esta puede ser una buena oportunidad para detenerse y considerar esas Madonnas pacíficas, tranquilas y hermosas que pintará en el futuro. Es natural preguntarse si Mágia será su inspiración.

  • Enrique VIII nace en Inglaterra el 28 de junio.
  • Giuliano della Rovere encarga a Perugino la realización del retablo Natividad con Santos para la basílica romana Santi XII Apostoli.
  • Nicolaus Copernicus comienza el riguroso curso de estudios astronómico-matemático de cuatro años en la Universidad de Cracovia.
  • Ignacio de Loyola nace el 24 de diciembre.

Giovanni Santi se casa con Bernardina, hija de un orfebre, el 25 de mayo en Urbino.

  • Colón navega por el océano azul. por primera vez.
  • Lorenzo "el Magnífico" de 'Medici, gobernante de facto de Florencia, muere el 9 de abril.
  • El Papa Alejandro VI (Roderic Llançol i de Borja [italianoizado como "Borgia"]) sucede al Papa Inocencio VIII (Giovanni Battista Cybo, un amigo del clan della Rovere) como el Papa número 214 el 11 de agosto.
  • Lorenzo II de 'Medici, duque de Urbino, nace el 12 de septiembre.

Giovanni Santi muere el 1 de agosto, supuestamente de malaria. Tiene tiempo para preparar y firmar un testamento el 27 de julio que nombra a Raphael, que acaba de cumplir 11 años, su único heredero. El hermano de Giovanni, Dom Bartolommeo Santi (monje y sacerdote), es nombrado tutor legal de Rafael.

Curiosamente, no será Dom Bartolommeo con quien el joven Raphael se vincule después de la muerte de Giovanni. El hermano de Mágia, Simone Battista di Ciarla, actuará como mentor, amigo y padre sustituto del niño mientras ambos vivan.

Bernardina da a luz a la hija de Giovanni después de su muerte, pero la niña no parece sobrevivir más allá de los cinco años (o menos). A la viuda se le ha concedido permiso para seguir viviendo en lo que ahora es la casa de Raphael mientras no se vuelva a casar. La evidencia anecdótica sugiere que ella y Dom Bartolommeo tienen personalidades similares: ruidosos y rápidos para enojarse, completamente diferentes a Giovanni, Mágia o Raphael. El tío y la madrastra comparten una aversión mutua y se pelean a todo volumen cada vez que están en la misma habitación.

  • El maestro florentino Domenico Ghirlandaio muere el 11 de enero.
  • El pintor manierista florentino Jacopo Carucci, llamado Pontormo, nace el 24 de mayo.
  • El pintor flamenco Hans Memling muere el 11 de agosto.
  • El patrón de Leonardo, Ludovico Sforza, se convierte en duque de Milán el 22 de octubre.
  • Suleiman el Magnífico, sultán otomano, nace el 6 de noviembre.
  • Fra Luca Pacioli's Summa de aritmética, geometría, proporción y proporcionalidad se publica en Venecia el 10 de noviembre.
  • Carlos VIII de Francia invade Italia. Sus ejércitos llegarán a Florencia el 17 de noviembre.

Probablemente Raphael ya sea aprendiz, si no antes. La tradición sostiene que su maestro es el pintor Pietro Vannucci. Pietro Vannucci es el nombre de pila del gran Perugino del Renacimiento italiano temprano (ca. 1450-1523), por cierto, el mismo Perugino sobre quien Giovanni había escrito previamente un poema halagador. De hecho, Giovanni había expresado su deseo, más de unas pocas veces, de que Raphael fuera aprendiz de Perugino. Sin embargo, no existe documentación de respaldo que demuestre dicho aprendizaje.

Rafael muere en Roma el día de su cumpleaños, el 6 de abril (según el calendario juliano), lo que lo convierte en exactamente 37 años.

Giorgio Vasari buscará a tientas un par de detalles cuando escriba sobre la muerte de Raphael en Delle Vite de 'più eccellenti pittori, scultori, ed architettori en 1550. Por un lado, afirma que Raphael nació y murió el Viernes Santo, lo cual es una anécdota tan encantadora que incluso este escritor afirmó que era un hecho. No lo es. Rafael nació el Viernes Santo, pero el 6 de abril de 1520 fue martes.

Además, Vasari relata la historia de que Rafael muere de una fiebre inducida por una noche de pasión desenfrenada, como rara vez se ve en la historia registrada. En otras palabras, el pobre Rafael se "hizo" a sí mismo hasta la muerte. Esto agrega un poco de salsa deliciosa a la vida de una leyenda, y entusiasmará a los aficionados de Raphael durante los siglos venideros. Sin embargo, tampoco es un hecho. La investigación actual sostiene que el artista murió de fiebre inducida por malaria, un destino que les sucedió a muchos residentes romanos. Las marismas estancadas alrededor del Vaticano eran un fantástico caldo de cultivo para los mosquitos.


Contenido

Nació en Kronach, en la Alta Franconia (ahora Alemania central), probablemente en 1472. Se desconoce su fecha exacta de nacimiento. Aprendió el arte de dibujar de su padre. Hans Maler (su apellido significa "pintor" y denota su profesión, no su ascendencia, a la manera de la época y la clase). [2] Su madre, de apellido Hübner, murió en 1491. Posteriormente, se utilizó el nombre de su lugar de nacimiento para su apellido, otra costumbre de la época. No se sabe cómo se formó Cranach, pero probablemente fue con maestros locales del sur de Alemania, como su contemporáneo Matthias Grünewald, que trabajó en Bamberg y Aschaffenburg (Bamberg es la capital de la diócesis en la que se encuentra Kronach). [3] También hay sugerencias de que Cranach pasó algún tiempo en Viena alrededor de 1500. [2]

De 1504 a 1520 vivió en una casa en la esquina suroeste del mercado de Wittenberg. [4]

Según Gunderam (el tutor de los hijos de Cranach), Cranach demostró su talento como pintor antes de finales del siglo XV. Su trabajo llamó entonces la atención del duque Federico III, elector de Sajonia, conocido como Federico el Sabio, quien adjuntó a Cranach a su corte en 1504. Los registros de Wittenberg confirman la afirmación de Gunderam en este sentido: que el nombre de Cranach aparece por primera vez en las cuentas públicas el 24 de junio de 1504, cuando sacó 50 florines por el salario de medio año, como pictor ducalis ("el pintor del duque"). [3] Cranach permanecería al servicio del elector y sus sucesores por el resto de su vida, aunque pudo emprender otros trabajos. [2]

Cranach se casó con Barbara Brengbier, la hija de un burgués de Gotha y también nació allí murió en Wittenberg el 26 de diciembre de 1540. Cranach más tarde fue dueño de una casa en Gotha, [3] pero lo más probable es que conoció a Barbara cerca de Wittenberg, donde su familia también era dueño de una casa, que más tarde también perteneció a Cranach. [2]

La primera evidencia de la habilidad de Cranach como artista se encuentra en un cuadro fechado en 1504. Al principio de su carrera estuvo activo en varias ramas de su profesión: a veces pintor decorativo, produciendo con mayor frecuencia retratos y retablos, grabados en madera, grabados y diseñando las monedas. para el electorado. [3]

En los primeros días de su empleo oficial, sorprendió a los cortesanos de su maestro por el realismo con el que pintaba naturaleza muerta, caza y astas en las paredes de los palacios rurales de Coburg y Locha, sus cuadros de ciervos y jabalíes se consideraban llamativos, y el Duke fomentó su pasión por esta forma de arte llevándolo al campo de caza, donde dibujó "su gracia" corriendo el ciervo, o Duke John clavando un jabalí. [3]

Antes de 1508 había pintado varios retablos para la iglesia del castillo de Wittenberg en competencia con Alberto Durero, Hans Burgkmair y otros, el duque y su hermano John fueron retratados en diversas actitudes y se publicaron varias de sus mejores xilografías y planchas de cobre. [3]

En 1509 Cranach fue a los Países Bajos y pintó al emperador Maximiliano y al niño que luego se convirtió en emperador Carlos V. Hasta 1508 Cranach firmó sus obras con sus iniciales. En ese año, el elector le dio la serpiente alada como emblema, o Kleinod, que reemplazó las iniciales de sus dibujos después de esa fecha. [3]

Cranach fue el pintor de la corte de los electores de Sajonia en Wittenberg, un área en el corazón de la fe protestante emergente. Sus mecenas eran poderosos partidarios de Martín Lutero y Cranach utilizó su arte como símbolo de la nueva fe. Cranach hizo numerosos retratos de Lutero y proporcionó ilustraciones en xilografía para la traducción de la Biblia al alemán de Lutero. [5] Algo más tarde, el duque le confirió el monopolio de la venta de medicamentos en Wittenberg y una patente de impresor con privilegios exclusivos en cuanto a derechos de autor sobre Biblias. Martin Luther utilizó las prensas de Cranach. Su botica estuvo abierta durante siglos y solo se perdió en un incendio en 1871. [3]

Cranach, como su patrón, fue amigo de los reformadores protestantes en una etapa muy temprana, pero es difícil fijar el momento de su primer encuentro con Martín Lutero. La referencia más antigua a Cranach en la correspondencia de Lutero data de 1520. En una carta escrita por Worms en 1521, Lutero lo llama su "chisme", en alusión calurosa a su "Gevatterin", la esposa del artista. Cranach hizo por primera vez un grabado de Lutero en 1520, cuando Lutero era un fraile agustino cinco años después, Lutero renunció a sus votos religiosos y Cranach estuvo presente como testigo en la fiesta de los esponsales de Lutero y Katharina von Bora. [2] También fue padrino de su primer hijo, Johannes "Hans" Lutero, nacido en 1526. En 1530, Lutero vivía en la ciudadela de Veste Coburg bajo la protección del duque de Sajonia-Coburgo y su habitación se conserva allí junto con un pintura de él. Los duques se convirtieron en notables coleccionistas de la obra de Cranach, parte de la cual permanece en la colección familiar del castillo de Callenberg.

La muerte en 1525 del elector Federico el Sabio y del elector Juan en 1532 no trajo ningún cambio en la posición de Cranach, siguió siendo el favorito de Juan Federico I, bajo quien dos veces (1531 y 1540) ocupó el cargo de burgomaestre de Wittenberg. [3] En 1547, John Frederick fue hecho prisionero en la batalla de Mühlberg y Wittenberg fue sitiada. Cuando Cranach le escribió desde su casa al gran maestro Alberto, duque de Prusia en Königsberg para informarle de la captura de John Frederick, mostró su apego diciendo: [3]

No puedo ocultarle a Su Gracia que nos han robado a nuestro querido príncipe, quien desde su juventud en adelante ha sido un verdadero príncipe para nosotros, pero Dios lo ayudará a salir de la prisión, porque el Kaiser es lo suficientemente valiente para revivir el papado, que Dios ciertamente no lo permitirá. [3]

Durante el asedio, Carlos V, el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, recordó a Cranach de su infancia y lo convocó a su campamento en Pistritz. Cranach se acercó y suplicó de rodillas un trato amable para el elector John Frederick. [3]

Tres años después, cuando todos los dignatarios del Imperio se reunieron en Augsburgo para recibir órdenes del emperador, y Tiziano llegó a la orden de Carlos para pintar al rey Felipe II de España, John Frederick le pidió a Cranach que visitara la ciudad y aquí durante unos meses permaneció en la casa del elector cautivo, a quien acompañó posteriormente a su casa en 1552. [3]

Murió a los 81 años el 16 de octubre de 1553 en Weimar, donde la casa en la que vivía todavía se encuentra en la plaza del mercado. [1] Fue enterrado en el Jacobsfriedhof de Weimar.

Cranach tuvo dos hijos, ambos artistas: Hans Cranach, cuya vida es oscura y que murió en Bolonia en 1537 y Lucas Cranach el Joven, nacido en 1515, que murió en 1586. [2] También tuvo tres hijas. Una de ellas fue Barbara Cranach, que murió en 1569, se casó con Christian Brück (Pontanus) y fue antepasado de Johann Wolfgang von Goethe.

Su nieta se casó con Polykarp Leyser el Viejo, lo que lo convirtió en un antepasado de la familia de teólogos de Polykarp Leyser.

La Iglesia Luterana recuerda a Cranach como un gran cristiano el 6 de abril junto con Durero, [6] y posiblemente Matthias Grünewald o Burgkmair. [7]

La imagen más antigua que existe de Cranach es la Resto de la Virgen durante la Huida a Egipto, de 1504. La pintura ya muestra una notable habilidad y gracia, y el bosque de pinos al fondo muestra a un pintor familiarizado con el paisaje montañoso de Turingia. Hay más oscuridad forestal en los paisajes de una época posterior. [3]

Tras el enorme éxito internacional de los grabados de Durero, otros artistas alemanes, mucho más que los italianos, dedicaron su talento a las xilografías y grabados. Esto explica la improductividad comparativa como pintores de Alberto Durero y Hans Holbein el Joven, y también puede explicar por qué Cranach no era especialmente hábil en el manejo del color, la luz y la sombra. La atención constante al contorno y al blanco y negro, como grabador, parece haber afectado su vista y, a menudo, delineaba las formas en negro en lugar de emplear modelos y claroscuro. [3]

La mayor parte de la producción de Cranach es de retratos, y es principalmente gracias a él que sabemos cómo eran los reformadores alemanes y sus principescos adherentes. No solo pintó al propio Martín Lutero, sino también a la esposa, la madre y el padre de Lutero. También representó a destacados católicos como Alberto de Brandeburgo, arzobispo elector de Mainz, Anthony Granvelle y el duque de Alva. [3]

Una docena de retratos de Federico III y su hermano Juan están fechados en 1532. Es característico de la prolífica producción de Cranach, y una prueba de que utilizó un gran taller, que recibió un pago en Wittenberg en 1533 por "sesenta pares de retratos del elector y su hermano "en un día. [3] Inevitablemente, la calidad de estos trabajos es variable.

Temas religiosos Editar

Los temas religiosos de Cranach reflejan el desarrollo de la Reforma Protestante y sus actitudes hacia las imágenes religiosas. Al principio de su carrera, pintó varias Madonnas, su primer grabado en madera (1505) representa a la Virgen y tres santos en oración ante un crucifijo. Más tarde pintó el matrimonio de santa Catalina, una serie de martirios y escenas de la Pasión. [3]

Después de 1517 ilustró ocasionalmente los temas antiguos, pero también expresó algunos de los pensamientos de los reformadores, aunque sus retratos de reformadores eran más comunes que las pinturas de escenas religiosas. En un cuadro de 1518, donde un moribundo ofrece "su alma a Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes terrenales a sus parientes", el alma se eleva para encontrarse con la Trinidad en el cielo, y se muestra claramente que la salvación depende de la fe. y no en buenas obras. [3]

Otras obras de este período tratan sobre el pecado y la gracia divina. Uno muestra a Adán sentado entre Juan el Bautista y un profeta al pie de un árbol. A la izquierda, Dios presenta las tablas de la ley, Adán y Eva prueban el fruto prohibido, la serpiente levanta la cabeza y el castigo se manifiesta en forma de muerte y el reino de Satanás. A la derecha, la Concepción, la Crucifixión y la Resurrección simbolizan la redención, y esto está debidamente grabado en Adán por Juan el Bautista. Hay dos ejemplos de esta composición en las galerías de Gotha y Praga, ambas fechadas en 1529. [3] Su taller hizo un retablo con una crucifixión en el centro que ahora se encuentra en la Kreuzkirche, Hannover.

Hacia el final de su vida, después de que se suavizara la hostilidad inicial de Lutero hacia las grandes imágenes religiosas públicas, Cranach pintó una serie de "retablos luteranos" de la Última Cena y otros temas, en los que se mostraba a Cristo de manera tradicional, incluido un halo, pero los apóstoles, sin halos, eran retratos de importantes reformadores. También produjo una serie de grabados de propaganda violenta contra los católicos y contra el papado en un estilo más crudo. Su trabajo más conocido en este sentido fue una serie de grabados para el folleto Passional Christi und Antichristi, [8] donde escenas de la Pasión de Cristo fueron igualados por una impresión de las prácticas burlonas del clero católico, de modo que Cristo expulsando a los cambistas del templo fue igualado por el Papa, o el Anticristo, firmando indulgencias sobre una mesa extendida con dinero en efectivo (ver galería a continuación). Algunas de las impresiones se hicieron eco de pinturas, como su Adoración de los pastores (Hacia 1517).

Una de sus últimas obras es el retablo, completado después de su muerte por Lucas Cranach el Joven en 1555, para la Stadtkirche (iglesia de la ciudad) en Weimar. La iconografía es original e inusual: se muestra a Cristo dos veces, a la izquierda pisoteando a la Muerte y a Satanás, a la derecha crucificado, con sangre que brota de la herida de lanza. Juan el Bautista señala al Cristo sufriente, mientras el torrente sanguíneo cae sobre la cabeza de un retrato de Cranach, y Lutero lee en su libro las palabras: "La sangre de Cristo limpia de todo pecado". [3]


Contenido

Vida temprana Editar

Poco se sabe de los primeros años de vida de Jan van Eyck y no se documenta ni la fecha ni el lugar de su nacimiento. El primer registro existente de su vida proviene de la corte de Juan de Baviera en La Haya, donde, entre 1422 y 1424, se realizaron pagos a Meyster Jan den malre (Maestro Jan el pintor) que era entonces pintor de la corte con rango de valet de chambre, primero con uno y luego con dos ayudantes. [6] Esto sugiere una fecha de nacimiento de 1395 a más tardar. Sin embargo, su aparente edad en el probable autorretrato de Londres de 1433 sugiere a la mayoría de los eruditos una fecha más cercana a 1380. [4] Fue identificado a finales del siglo XVI como nacido en Maaseik, un distrito del príncipe-obispado de Feudal. [7] Sin embargo, su apellido está relacionado con el lugar Bergeijk, debido a la información genealógica relacionada con el escudo de armas con tres molinos que también implica que proviene de los Señores de Rode (Sint-Oedenrode). Elisabeth Dhanens redescubrió en el estado trimestral "el blasón paternal, en oro, tres molinos de ácido láurico", similar a otras familias que descienden de los Señores de Rode en el barrio de Peelland en el 'meierij van's-Hertogenbosch'. Su hija Lievine estaba en un convento de monjas en Maaseik después de la muerte de su padre. Las notas sobre su dibujo preparatorio para Retrato del cardenal Niccolò Albergati están escritos en el dialecto de Maasland. [8]

Tenía una hermana Margareta, y al menos dos hermanos, Hubert (fallecido en 1426), con quien probablemente sirvió su aprendizaje [9] y Lambert (activo entre 1431 y 1442), ambos también pintores, pero el orden de sus nacimientos no se ha establecido. sido establecido. [4] Se presume que otro pintor importante, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck, es un pariente. [10] No se sabe dónde se educó Jan, pero tenía conocimientos de latín y usaba los alfabetos griego y hebreo en sus inscripciones, lo que indica que fue educado en los clásicos. [4] Este nivel de educación era poco común entre los pintores y lo habría hecho más atractivo para el culto Felipe. [11]

Pintor de la corte Editar

Van Eyck sirvió como oficial de John de Bavaria-Straubing, gobernante de Holanda, Henao y Zelanda. Para entonces, había montado un pequeño taller y participó en la redecoración del palacio Binnenhof en La Haya. Después de la muerte de Juan en 1425 se mudó a Brujas y llamó la atención de Felipe el Bueno c. 1425. [12] Su aparición como pintor coleccionable generalmente sigue a su nombramiento en la corte de Felipe, y desde este punto su actividad en la corte está comparativamente bien documentada. Se desempeñó como artista de la corte y diplomático, y fue un miembro destacado del gremio de pintores de Tournai. El 18 de octubre de 1427, fiesta de San Lucas, viajó a Tournai para asistir a un banquete en su honor, al que también asistieron Robert Campin y Rogier van der Weyden. [13]

Un salario de la corte lo liberó del trabajo por encargo y le permitió un alto grado de libertad artística. [14] Durante la década siguiente, la reputación y la capacidad técnica de van Eyck crecieron, principalmente a partir de sus enfoques innovadores hacia el manejo y manipulación de la pintura al óleo. A diferencia de la mayoría de sus compañeros, su reputación nunca disminuyó y permaneció bien considerado durante los siglos siguientes. Su enfoque revolucionario del óleo fue tal que surgió un mito, perpetuado por Giorgio Vasari, de que él había inventado la pintura al óleo. [A] [15]

Su hermano Hubert van Eyck colaboró ​​en las obras más famosas de Jan, el Retablo de Gante, generalmente los historiadores del arte creen que se inició c. 1420 por Hubert y completado por Jan en 1432. Otro hermano, Lambert, se menciona en los documentos de la corte de Borgoña, y puede haber supervisado el taller de su hermano después de la muerte de Jan. [dieciséis]

Madurez y éxito Editar

Considerado revolucionario durante su vida, los diseños y métodos de van Eyck fueron copiados y reproducidos en gran medida. Su lema, una de las primeras y aún más distintivas firmas de la historia del arte, ALS ICH KAN ("AS I CAN"), un juego de palabras con su nombre, [17] apareció por primera vez en 1433 en Retrato de un hombre con turbante, lo que puede verse como un indicativo de su creciente confianza en sí mismo en ese momento. Los años entre 1434 y 1436 generalmente se consideran su punto culminante cuando produjo obras como la Virgen del canciller Rolin, Lucca Madonna y Virgen y Niño con Canon van der Paele. Se casó con Margaret, mucho más joven, probablemente alrededor de 1432, casi al mismo tiempo que compró una casa en Brujas, no se menciona antes de mudarse, mientras que el primero de sus dos hijos nació en 1434. Se sabe muy poco de Margaret, incluso su apellido de soltera es perdido - los registros contemporáneos se refieren a ella principalmente como Damoiselle Marguerite. [18] Ella pudo haber sido de origen aristocrático, aunque de la baja nobleza, evidenciado por sus ropas en el retrato que están de moda pero no de la suntuosidad que usa la novia en el Retrato de Arnolfini. Más tarde, como viuda de un renombrado pintor, la ciudad de Brujas le concedió una modesta pensión a Margaret tras la muerte de Jan. Al menos una parte de estos ingresos se invirtió en lotería. [19]

Van Eyck realizó varios viajes en nombre de Felipe el duque de Borgoña entre 1426 y 1429, descritos en los registros como comisiones "secretas", por las que se le pagaba múltiplos de su salario anual. Su naturaleza precisa aún se desconoce, pero parecen involucrar su actuación como enviado de la corte. En 1426 partió hacia "ciertas tierras lejanas", posiblemente a Tierra Santa, teoría a la que da peso la precisión topográfica de Jerusalén en Las tres marías en la tumba, una pintura realizada por miembros de su taller c. 1440. [8]

Un encargo mejor documentado fue el viaje a Lisboa junto con un grupo destinado a preparar el terreno para la boda del duque con Isabel de Portugal. Van Eyck's tuvo la tarea de pintar a la novia, para que el duque pudiera visualizarla antes de su matrimonio. Debido a que Portugal estaba plagado de peste, su corte era itinerante y el grupo holandés los recibió en el castillo apartado de Avis. Van Eyck pasó nueve meses allí, regresando a los Países Bajos con Isabella como novia para casarse el día de Navidad de 1429. [20] La princesa probablemente no era particularmente atractiva, y así es exactamente como Van Eyck la transmitió en el ahora. retrato perdido. Por lo general, mostraba a sus modelos como dignos, pero no ocultaba sus imperfecciones. [21] Después de su regreso, estaba preocupado por completar el Retablo de Gante, que fue consagrada el 6 de mayo de 1432 en la catedral de San Bavón durante una ceremonia oficial por Felipe. Los registros de 1437 dicen que fue tenido en alta estima por los altos rangos de la nobleza borgoñona y fue empleado en comisiones extranjeras.

Muerte y legado Editar

Jan van Eyck murió el 9 de julio de 1441 en Brujas. Fue enterrado en el cementerio de la Iglesia de San Donatiano. [4] Como muestra de respeto, Philip hizo un pago único a la viuda de Jan, Margaret, por un valor equivalente al salario anual del artista. Dejó muchas obras inacabadas para que las completaran los jornaleros de su taller. [22] Después de su muerte, Lambert van Eyck dirigió el taller, [23] a medida que la reputación y la estatura de Jan crecían constantemente. A principios de 1442, Lambert hizo que el cuerpo fuera exhumado y colocado dentro de la Catedral de San Donatiano.

En 1449 fue mencionado por el humanista y anticuario italiano Ciriaco de 'Pizzicolli como un pintor de nota y habilidad, y fue registrado por Bartolomeo Facio en 1456.

Jan van Eyck produjo pinturas para clientes privados además de su trabajo en la corte. El más importante de ellos es el Retablo de Gante pintado para el comerciante, financiero y político Jodocus Vijdts y su esposa Elisabeth Borluut. Iniciado en algún momento antes de 1426 y terminado en 1432, el políptico se considera que representa "la conquista final de la realidad en el Norte", diferenciándose de las grandes obras del Renacimiento temprano en Italia en virtud de su voluntad de renunciar a la idealización clásica en favor de la Observación fiel de la naturaleza. [24]

Aunque se puede suponer, dada la demanda y la moda, que produjo varios trípticos, solo el Retablo de dresde sobrevive, aunque varios retratos existentes pueden ser alas de polípticos desmantelados. Los signos reveladores son bisagras de los marcos originales, la orientación del modelo y las manos en oración o la inclusión de elementos iconográficos en un retrato aparentemente secular. [25]

Se le atribuyen con seguridad unas 20 pinturas supervivientes, todas fechadas entre 1432 y 1439. Diez, incluida la Retablo de Gante, están fechados y firmados con una variación de su lema, ALS ICH KAN. En 1998, Holland Cotter estimó que "sólo unas dos docenas de pinturas. Atribuidas. Con diversos grados de confianza, junto con algunos dibujos y algunas páginas de. Las Horas de Turín-Milán". Describió la "compleja relación y tensión entre los historiadores del arte y la tenencia de museos al asignar la autoría. De las aproximadamente 40 obras consideradas originales a mediados de los 80, alrededor de diez son ahora enérgicamente impugnadas por los principales investigadores como taller". [26]

Horas Turín-Milán: Mano G Editar

Desde 1901, a Jan van Eyck se le atribuye a menudo el mérito de ser el artista anónimo conocido como Mano G de las Horas de Turín-Milán. [B] Si esto es correcto, las ilustraciones de Turín son las únicas obras conocidas de su período temprano, según Thomas Kren, las fechas anteriores de la Mano G preceden a cualquier pintura de panel conocida en un estilo eyckiano, lo que "plantea preguntas provocativas sobre el papel que la iluminación del manuscrito puede haber jugado en la alardeada verosimilitud de la pintura al óleo eyckiana ". [27]

La evidencia para atribuir a van Eyck se basa en parte en el hecho de que, aunque las figuras son en su mayoría de tipo gótico internacional, reaparecen en algunos de sus trabajos posteriores. Además, hay escudos de armas relacionados con la familia Wittelsbach con la que tenía conexiones en La Haya, mientras que algunas de las figuras de las miniaturas se hacen eco de los jinetes en el Retablo de Gante. [28]

La mayor parte de las Horas de Turín-Milán fueron destruidas por un incendio en 1904 y solo sobreviven en fotografías y ahora solo sobreviven tres páginas como máximo atribuidas a la Mano G, aquellas con grandes miniaturas de la Nacimiento de Juan el Bautista, los Hallazgo de la Cruz Verdadera y el Oficina de los muertos (o Misa de Réquiem), con el bas-de-page miniaturas e iniciales de la primera y la última de estas [C] La Oficina de los muertos a menudo se considera que recuerda el período de 1438-1440 de enero Virgen en la Iglesia. [30] Cuatro más se perdieron en 1904: todos los elementos de las páginas con las miniaturas llamadas La oración en la orilla (o Duque Guillermo de Baviera en la orilla del mar, los Oración del soberano etc.), y la escena nocturna de la Traición de cristo (que Durrieu ya describió como "desgastado" antes del incendio), el Coronacion de la virgen y su bas-de-page, y la imagen grande sólo del paisaje marino Viaje de San Julián y Santa Marta. [D]

Iconografía mariana Editar

Excepto el 'Retablo de Gante', las obras religiosas de Van Eyck presentan a la Virgen María como figura central. Por lo general, está sentada, con una corona tachonada de joyas, acunando a un niño Jesús juguetón que la mira y agarra el dobladillo de su vestido de una manera que recuerda la tradición bizantina del icono de Eleusa del siglo XIII (Virgen de la ternura). [31] A veces se le muestra leyendo un Libro de Horas. Por lo general, viste de rojo. En el 1432 Retablo de Gante María lleva una corona adornada con flores y estrellas. Está vestida de novia y lee de un libro de fajas cubierto con tela verde, [32] quizás un elemento tomado de Robert Campin. Virgen Anunciada. [33] El panel contiene una serie de motivos que luego reaparecen en obras posteriores. Ella ya es Reina del Cielo, con una corona adornada con flores y estrellas. Van Eyck suele presentar a Mary como una aparición ante un donante arrodillado en oración a un lado. [34] [35] La idea de que un santo se compareciera ante un laico era común en los retratos de donantes del norte de la época. [34] En Virgen y Niño con Canon van der Paele (1434-1436), el Canon parece haberse detenido momentáneamente para reflexionar sobre un pasaje de su Biblia de mano cuando la Virgen y el Niño con dos santos aparecen ante él, como encarnaciones de su oración. [36]

El papel de María en sus obras debe verse en el contexto del culto y la adoración contemporáneos que la rodean. A principios del siglo XV, María adquirió mayor importancia como intercesora entre lo divino y los miembros de la fe cristiana. El concepto de purgatorio como estado intermedio por el que cada alma tenía que pasar antes de la admisión al cielo estaba en su apogeo. [37] La ​​oración era el medio más obvio para reducir el tiempo en el limbo, mientras que los ricos podían encargar nuevas iglesias, ampliaciones de las existentes o retratos devocionales. Al mismo tiempo, hubo una tendencia hacia el patrocinio de misas de réquiem, a menudo como parte de los términos de un testamento, una práctica que Joris van der Paele patrocinó activamente. Con esta renta dotó a las iglesias de telas bordadas y complementos metálicos como cálices, platos y candeleros. [38]

Eyck generalmente le da a María tres roles: Madre de Cristo, la personificación de la "Ecclesia Triumphans" o Reina del Cielo. [39]

La idea de María como metáfora de la Iglesia misma es especialmente fuerte en sus pinturas posteriores. En Virgen en la Iglesia ella domina la catedral, su cabeza está casi al nivel de la galería de aproximadamente sesenta pies de altura. [39] El historiador del arte Otto Pächt describe el interior del panel como una "sala del trono" que la envuelve como si fuera un "estuche de transporte". [40] Esta distorsión de escala se encuentra en varias otras de sus pinturas de Madonna, incluyendo Anunciación. Su estatura monumental toma prestado de las obras de artistas italianos de los siglos XII y XIII como Cimabue y Giotto, quienes a su vez reflejan una tradición que se remonta a un tipo italo-bizantino y enfatiza su identificación con la catedral misma. Los historiadores del arte del siglo XIX pensaron que la obra se ejecutó al principio de la carrera de van Eyck y atribuyeron su escala como el error de una pintora relativamente inmadura. La idea de que su tamaño representa su encarnación como iglesia fue sugerida por primera vez por Erwin Panofsky en 1941. [41] Till-Holger Borchert dice que van Eyck no pintó "la Virgen en una iglesia", sino como "la Iglesia". [42]

Las obras posteriores de Van Eyck contienen detalles arquitectónicos muy precisos y detallados, pero no están inspirados en edificios históricos reales. Probablemente buscó crear un espacio ideal y perfecto para la aparición de María, [43] y estaba más preocupado por su impacto visual que por la posibilidad física. [44]

Las pinturas marianas se caracterizan por representaciones complejas tanto del espacio físico como de las fuentes de luz. Muchas de las obras religiosas de van Eyck contienen un espacio interior reducido que, no obstante, está sutilmente gestionado y dispuesto para transmitir una sensación de intimidad sin sentirse constreñido. los Virgen del canciller Rolin está iluminado tanto desde el pórtico central como desde las ventanas laterales, mientras que las baldosas del piso en comparación con otros elementos muestran que las figuras están a solo seis pies de la pantalla de la logia con columnas, y que Rolin podría haber tenido que meterse a través de la abertura para sal de esa manera. [45] Los diferentes elementos de la catedral en Virgen en la Iglesia son tan específicamente detallados, y los elementos de la arquitectura gótica y contemporánea tan bien delineados, que muchos historiadores del arte y la arquitectura han llegado a la conclusión de que debe haber tenido suficiente conocimiento arquitectónico para hacer distinciones matizadas. Dada la precisión de las descripciones, muchos estudiosos han intentado vincular la pintura con edificios particulares. [46] Pero en todos los edificios de la obra de van Eyck, la estructura es imaginada y probablemente una formación idealizada de lo que él veía como un espacio arquitectónico perfecto. Esto se puede ver en los muchos ejemplos de características que serían poco probables en una iglesia contemporánea, incluida la colocación de un triforio de arco redondo sobre una columnata puntiaguda en la obra de Berlín. [47]

Las obras marianas están repletas de inscripciones. Las letras en el trono arqueado sobre María en el Retablo de Gante está tomado de un pasaje del Libro de la Sabiduría (7:29): "Es más hermosa que el sol y el ejército de las estrellas en comparación con la luz, ella es superior. Es verdaderamente el reflejo de la luz eterna y un espejo inmaculado de Dios". [32] Texto de la misma fuente en el dobladillo de su túnica, en el marco de Virgen en la Iglesia y en su vestido en Virgen y Niño con Canon van der Paele, lee EST ENIM HAEC SPECIOSIOR SOLE ET SUPER OMNEM STELLARUM DISPOSITIONEM. LUCI CONPARATA INVENITUR ANTERIOR [42] Aunque las inscripciones están presentes en todas las pinturas de van Eyck, son predominantes en sus pinturas marianas, donde parecen cumplir una serie de funciones. Dan vida a los retratos y dan voz a los que adoran a María, pero también desempeñan un papel funcional dado que las obras religiosas contemporáneas se encargaron para la devoción privada, las inscripciones pueden haber sido pensadas para ser leídas como un encantamiento o como oraciones de indulgencia personalizadas. Harbison señala que las obras de van Eyck encargadas en forma privada están inusualmente fuertemente inscritas con oración, y que las palabras pueden haber tenido una función similar a las tablillas de oración, o más propiamente "Alas de oración", como se ve en el London Virgen y niño tríptico. [48]

Retratos seculares Editar

Van Eyck fue muy solicitado como retratista. La creciente afluencia en el norte de Europa significó que el retrato ya no fuera un dominio exclusivo de la realeza o la alta aristocracia. Una clase media mercantil emergente y una conciencia cada vez mayor de las ideas humanistas de la identidad individual llevaron a una demanda de retratos. [21]

Los retratos de Van Eyck se caracterizan por su manipulación de la pintura al óleo y su meticulosa atención a los detalles, sus agudos poderes de observación y su tendencia a aplicar capas de esmaltes translúcidos delgados para crear intensidad de color y tono. Fue pionero en el retrato durante la década de 1430 y fue admirado en lugares tan lejanos como Italia por la naturalidad de sus representaciones. [49] En la actualidad, se le atribuyen nueve retratos de las tres cuartas partes. Su estilo fue ampliamente adoptado, sobre todo por van der Weyden, Petrus Christus y Hans Memling.


El taller de Verrocchio, 1466-1476

En 1466, a la edad de catorce años, Leonardo fue aprendiz de uno de los artistas más exitosos de su época, Andrea di Cione, conocido como Verrocchio. El taller de Verrocchio estuvo en el centro de las corrientes intelectuales de Florencia, asegurando al joven Leonardo una educación en humanidades. Otros pintores famosos aprendices o asociados con el taller incluyen Ghirlandaio, Perugino, Botticelli y Lorenzo di Credi. Leonardo habría estado expuesto a una amplia gama de habilidades técnicas y tuvo la oportunidad de aprender dibujo, química, metalurgia, trabajo de metales, fundición de yeso, trabajo de cuero, mecánica y carpintería, así como las habilidades artísticas de dibujo, pintura, escultura y modelado. .

Gran parte de la producción de pintura del taller de Verrocchio fue realizada por sus empleados. Según Vasari, Leonardo colaboró ​​con Verrocchio en su Bautismo de Cristo, pintando al joven ángel sosteniendo la túnica de Jesús de una manera tan superior a la de su maestro que Verrocchio dejó su pincel y nunca volvió a pintar. Probablemente sea una exageración. En un examen detenido, la pintura revela mucho de lo que se ha pintado o retocado sobre el temple con la nueva técnica de pintura al óleo, el paisaje, las rocas que se pueden ver a través del arroyo de la montaña marrón y gran parte de la figura de Jesús que da testimonio de la mano de Leonardo.

El propio Leonardo pudo haber sido el modelo de dos obras de Verrocchio, incluida la estatua de bronce de David en el Bargello y el Arcángel Miguel en Tobías y el ángel.

En 1472, a la edad de veinte años, Leonardo calificó como maestro en el Gremio de San Lucas, el gremio de artistas y doctores en medicina, pero incluso después de que su padre lo instaló en su propio taller, su apego a Verrocchio fue tal que continuó colaborando con él.La primera obra fechada conocida de Leonardo es un dibujo a pluma y tinta del valle del Arno, elaborado el 5 de agosto de 1473.


Renacimiento de Harlem

“Creo que las ventajas y oportunidades [de los afroamericanos] son ​​mayores en Harlem que en cualquier otro lugar del país, y que Harlem se convertirá en el centro intelectual, cultural y financiero de los negros de Estados Unidos y ejercerá un papel vital influencia sobre todos los pueblos negros ". —James Weldon Johnson, "Harlem: La capital de la cultura", 1925

El Renacimiento de Harlem fue un período de rica actividad artística y cultural interdisciplinaria entre los afroamericanos entre el final de la Primera Guerra Mundial (1917) y el inicio de la Gran Depresión y antes de la Segunda Guerra Mundial (la década de 1930). Los artistas asociados con el movimiento afirmaron su orgullo por la vida y la identidad de los negros, una creciente conciencia de la desigualdad y la discriminación, y el interés en el mundo moderno que cambia rápidamente; muchos experimentan la libertad de expresión a través de las artes por primera vez.

Si bien el Renacimiento de Harlem puede ser mejor conocido por sus artes literarias y escénicas (figuras pioneras como Langston Hughes, Zora Neale Hurston, Duke Ellington y Ma Rainey pueden ser familiares), los escultores, pintores y grabadores fueron contribuyentes clave para el primer afrocéntrico moderno movimiento cultural y formó una vanguardia negra en las artes visuales.

Aaron Douglas (1899-1979) es conocido como el "padre del arte afroamericano". Definió un lenguaje visual moderno que representaba a los estadounidenses negros bajo una nueva luz. Douglas comenzó su carrera artística como paisajista, pero fue influenciado por movimientos de arte moderno como el cubismo, en el que los sujetos aparecen fragmentados y fracturados, y por las artes gráficas, que suelen utilizar colores atrevidos y formas estilizadas. Él y otros artistas también buscaron inspiración en África Occidental, estableciendo conexiones personales con las máscaras estilizadas y esculturas de Benin, Congo y Senegal, que vieron como un vínculo con su herencia africana. También recurrieron al arte de la antigüedad, como los relieves escultóricos egipcios, de interés popular debido al descubrimiento de la tumba del rey Tutankamón en 1922. Los grabadores James Lesesne Wells (1902-1993) y Hale Woodruff (1900-1980) también exploraron un enfoque simplificado que se inspiró en las influencias artísticas africanas y europeas.

El escultor Richmond Barthé (1901-1989) trabajó con un estilo realista, representando a sus sujetos con una luz matizada y comprensiva en la que los estadounidenses negros rara vez habían sido representados antes. El pintor Archibald John Motley Jr. (1891-1981) comenzó su carrera durante la década de 1920 como uno de los primeros graduados afroamericanos de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. En la primera parte de su carrera, creó retratos íntimos y directos, como Retrato de mi abuela de 1922.

James Van Der Zee (1886-1983), fotógrafo, se convirtió en el cronista no oficial de la vida afroamericana en Harlem. Ya sea a través de fotografías familiares formales en su estudio o mediante ensayos fotográficos de cabarets, restaurantes, peluquerías y servicios religiosos de Harlem, su gran volumen de trabajo documenta una comunidad creciente, diversa y próspera.

La formación de nuevas comunidades creativas afroamericanas fue generada en parte por la Gran Migración, el reasentamiento más grande de estadounidenses en la historia de los Estados Unidos continentales, principalmente de las regiones rurales del sur a los centros urbanos más poblados del norte. La búsqueda de empleos, mejor educación y vivienda, así como el escape de las leyes Jim Crow y una vida limitada por el racismo institucionalizado, llevó a los estadounidenses negros a reubicarse.

El inicio de la Gran Depresión en 1929 desinfló la energía artística del período, ya que muchas personas se quedaron desempleadas y se concentraron en satisfacer las necesidades básicas. Sin embargo, el Renacimiento de Harlem plantó semillas artísticas que germinarían durante décadas. Muchos de los artistas visuales asociados con el Renacimiento de Harlem vinieron a participar en el Federal Art Project (1935-1943), un programa de empleo para artistas patrocinado por Works Progress Administration del presidente Franklin Delano Roosevelt. Además, un legado clave del Renacimiento de Harlem fue la creación del Centro de Arte Comunitario de Harlem (HCAC) en 1937, parte de una red de centros de arte a través del país. El HCAC ofreció creación de arte práctica dirigida por artistas profesionales y mantuvo un taller de grabado. El HCAC fue fundamental al brindarles a los artistas negros apoyo y capacitación continuos que ayudaron a sostener a la próxima generación de artistas que emergería después de la guerra. En las décadas siguientes, el Renacimiento de Harlem inspiró nuevas oleadas de artistas y sentó las bases fundamentales para el movimiento de derechos civiles y el Movimiento de Artes Negras.

Como nota final, las mujeres artistas también formaron parte del Renacimiento de Harlem y participaron especialmente como cantantes, actores, bailarinas y escritoras. Menos conocidas son las mujeres artistas visuales de la época. Obtener acceso a la escena de las artes visuales fue más difícil que ingresar a las artes escénicas, ya que la práctica de la pintura y la escultura en particular no se consideraba apropiada para el género o "femenina". Dos escultores, Meta Vaux Warrick Fuller (1877–1968) y Augusta Savage (1892–1962), este último activista, artista y director de la HCAC, dejaron su huella durante el período, pero su trabajo se ha pasado por alto en gran medida y es sólo ha sido objeto de una evaluación completa por parte de los historiadores del arte de hoy.

James Weldon Johnson, Trombones de Dios: Siete sermones negros en versículo, 1927

Dos artistas colaboraron en este famoso libro de la era del Renacimiento de Harlem, que combina interpretaciones de parábolas bíblicas escritas en versos contemporáneos con ilustraciones audaces que hacen eco del poder y el simbolismo de las palabras.

El escritor James Weldon Johnson, autor, poeta, ensayista y cronista de Manhattan negro (el título de uno de sus libros), encargó a Aaron Douglas que ilustrara Trombones de Dios. El libro está organizado en ocho capítulos: un prefacio explicativo de Johnson y una oración introductoria seguida de siete sermones-poemas titulados "La creación", "El hijo pródigo", "Ve a la muerte, un sermón fúnebre", "Noé construyó el arca, "La crucifixión", "Deja ir a mi pueblo" y "El día del juicio". Cada sermón adopta la lengua vernácula de un predicador afroamericano y está acompañado de ilustraciones dinámicas en blanco y negro que proyectan las historias en una luz contemporánea y cuentan con protagonistas negros. El estilo de pintura de Douglas usaba colores llamativos, pero los procesos de impresión de la década de 1920 hicieron que las ilustraciones en color fueran difíciles y costosas, razón por la cual las ilustraciones son monocromas con texto compensado en un solo color.

Conozca más sobre este trabajo aquí.

Aaron Douglas, El día del juicio, 1939, óleo sobre tableros duros templados, Fondo Permanente de los Patronos, The Avalon Fund, 2014.135.1

Años después de la publicación de 1927 de Trombones de Dios: siete sermones negros en versículo, Aaron Douglas pintó nuevas obras de arte basadas en sus ilustraciones originales para el libro. El uso por parte del artista de colores complementarios (violeta y amarillo / verde) combinados con arcos superpuestos, formas en zigzag y las extremidades extendidas de las figuras recortadas crean una composición llena de energía. La figura central, que es enorme para mostrar su importancia (un dispositivo utilizado en el arte egipcio antiguo, que fue una influencia en el estilo de Douglas) representa a Gabriel, un arcángel que aparece en el Antiguo y Nuevo Testamento de la Biblia que sirve como mensajero de Dios y cuyo nombre significa "Dios es mi fuerza". Las otras figuras responden a la llamada de Gabriel y las formas pulsantes sugieren el eco de la trompeta. El verso que acompañaba a la ilustración publicada en Trombones de Dios compara a Gabriel con un trompetista de blues:

Y Gabriel le va a preguntar: Señor,

Y Dios le va a decir: Gabriel,

Luego, poniendo un pie en la cima de la montaña,

Y el otro en medio del mar,

Gabriel se pondrá de pie y tocará la bocina.

Para despertar a las naciones vivientes.

Aaron Douglas, En esclavitud, 1936, óleo sobre lienzo, Colección Corcoran (Compra del museo y donación parcial de Thurlow Evans Tibbs, Jr., The Evans-Tibbs Collection), 2014.79.17

Esta pintura se refiere a la trata de esclavos en el Atlántico, durante la cual entre 10 y 12 millones de personas fueron traficadas de África a América, la mayoría durante el período comprendido entre los años 1600 y 1800. Estados Unidos prohibió la trata de esclavos en el país en 1808, aunque la práctica en sí no fue abolida hasta 1864. La pintura nos posiciona como espectadores detrás de una malla de follaje, como si estuviéramos escondidos o presenciando la escena. Hay una fila de figuras masculinas que se alejan, cabezas inclinadas, avanzando hacia el océano y acercándose barcos que los transportarán por la fuerza a un lugar extraño y una vida de esclavitud. Aaron Douglas usa colores complementarios y no naturales —figuras de color azul verdoso y un cielo de color amarillo limón abrasador— para agregar dramatismo. Los grilletes de las muñecas están pintados de un naranja contrastante, lo que nos llama la atención. Una figura ha caído de rodillas en primer plano, con los brazos levantados suplicantes hacia el cielo, mientras una figura central de pie contempla una sola estrella cuyo rayo de luz lo ilumina, quizás un recordatorio de que no está abandonado.

Fritz Winold Reiss, Sin título (dos figuras en una pendiente), xilografía, colección Reba y Dave Williams, regalo de Reba y Dave Williams, 2008.115.4080

Fritz Winold Reiss y su familia emigraron de Alemania a Estados Unidos en 1913. Viajó mucho por Estados Unidos y México y se interesó por la diversidad racial de Estados Unidos, retratando con frecuencia a indígenas estadounidenses y afroamericanos. Reiss ilustrado El nuevo negro, La influyente antología de escritura, pensamiento y verso de Alain Locke que se convirtió en un emblema del Renacimiento de Harlem. Publicado en 1925, El nuevo negro afirmó las cualidades únicas de la cultura y la vida afroamericana y alentó la propiedad y el orgullo por su arte y herencia.

Reiss, que era blanca, se inspiró en las mismas fuentes que los artistas y diseñadores negros: el arte europeo moderno y las formas estilizadas del arte africano, incluido el arte egipcio antiguo (consulte el tablero de Pinterest relacionado para ver ejemplos). Aquí, las figuras, mostradas sólo de perfil, se comprimen en un espacio geométrico palpitante de líneas activas y movimiento. Una figura parece cuidar el cabello de otra, mientras que la figura de múltiples pechos podría ser una diosa o un símbolo de la fertilidad. La composición activa de Reiss de líneas irregulares y formas radiantes influyó en Aaron Douglas.

James Lesesne Wells, Mirando hacia arriba, 1928, xilografía en negro sobre papel verjurado, Colección Ruth y Jacob Kainen, 1994.87.9

James Lesesne Wells encontró inspiración en las cualidades estilizadas de la escultura africana y en el arte expresionista alemán, que revivió el medio centenario de la impresión en madera para la era moderna. Esta obra muestra una figura descomunal y recortada que se abre paso entre, y domina, un bosque urbano de rascacielos que parecen derrumbarse a su paso. Parece llevar un pequeño modelo de otras viviendas, quizás una representación del hogar o la idea de hogar que conservamos en la memoria. La figura mira a su alrededor, como buscando o aspirando a encajar o echar raíces. Muchos afroamericanos eligieron mudarse de las ciudades del sur a las del norte durante la Gran Migración, experimentando tanto el desplazamiento como la adaptación a los nuevos entornos urbanos.

Richmond Barthé, Cabeza de un niño, C. 1930, yeso pintado, Corcoran Collection (The Evans-Tibbs Collection, Gift of Thurlow Evans Tibbs, Jr.), 2014.136.295

Richmond Barthé esculpió temas afroamericanos con un estilo sensible y realista. Barthé siguió un estilo clásico en la escultura, creyendo que cualquier tema podría ser digno y hermoso si se representa con habilidad y consideración. Hasta el Renacimiento de Harlem, los rostros afroamericanos rara vez aparecían como tema central del arte visual. El arte y el interés de Barthé por la figura masculina se basó en su identidad de hombre gay, quien según la época se veía obligado a revelar abiertamente esta parte de su vida, aunque encontró compañerismo e intereses amorosos entre los artistas e intelectuales de la época.

Barthé creció en Nueva Orleans y se dirigió al norte con el apoyo de su familia para seguir una educación artística en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC), donde estudió pintura. En ese momento, SAIC y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania eran las dos escuelas de arte estadounidenses que admitían estudiantes afroamericanos. Barthé descubrió su talento para la escultura en 1927, cuando conoció el medio durante una tarea de clase para crear un busto de retrato de un compañero de estudios en arcilla (completó dos). Estos trabajos iniciales fueron notados por el instructor e incluidos en una exposición, El negro en la semana del arte, lanzando la carrera de Barthé y su compromiso de por vida con la escultura.

Werner Drewes, Belleza de Harlem, 1930, xilografía en negro, Fondo Ailsa Mellon Bruce, 1974.84.1

En 1930, Werner Drewes emigró a la ciudad de Nueva York desde Alemania, donde había sido estudiante de arte. Esta obra es del mismo año en que llegó a Nueva York y rinde homenaje a la feminidad y belleza afroamericanas. La imagen, creada por un artista blanco que trabajó en círculos fuera de Harlem, da fe del impacto cultural generalizado del Renacimiento de Harlem, de interés para personas de diferentes razas y líneas sociales, incluidos artistas, maestros, patrocinadores y patrocinadores que participaron en actividades pluralistas. , diálogos interraciales. Ocasionalmente, Drewes tomó imágenes de personas y escenas en Harlem y otros lugares de Nueva York. Belleza de Harlem tiene una calidad escultórica y atemporal, con su enfoque minimalista en el rostro iluminado de la mujer de perfil, un estilo de retrato clásico. Drewes, como Fritz Winold Reiss, se asoció con una tradición europea modernista que también fue de interés para muchos artistas afroamericanos durante el Renacimiento de Harlem. ¿Puede pensar en otros ejemplos de diálogo cultural en los que poblaciones aparentemente distintas influyan en las prácticas artísticas de las demás?

Drewes trabajó en los programas de empleo de artistas de Works Progress Administration (WPA) del presidente Franklin Delano Roosevelt como profesor de arte en el Museo de Brooklyn y la Universidad de Columbia. Más tarde dirigió la división de artes gráficas del Federal Art Project, parte de la WPA, en el estado de Nueva York. Fue un prolífico grabador y, más tarde, pintor.

Archibald John Motley Jr., Retrato de mi abuela, 1922, óleo sobre lienzo, Fondo Permanente de Patronos, Fondo Avalon y Fondo Motley, 2018.2.1

La extensa familia Motley se mudó de Nueva Orleans a Chicago en 1894. El grupo incluía a la abuela paterna del artista, Emily Motley, que se muestra aquí. Su hijo, Archibald Motley Sr., trabajaba como portero de Pullman en Michigan Central Railroad y su esposa, Mary L. Motley, era maestra de escuela. Sus profesiones se encontraban entre los trabajos de mayor estatus y mejor remuneración que los estadounidenses negros podían tener en ese momento y situaban a la familia en la clase media. La mudanza de la familia anticipó la Gran Migración de afroamericanos hacia el norte que ganó impulso durante la Primera Guerra Mundial y continuó hasta la era de los derechos civiles.

El artista fue uno de los primeros afroamericanos en asistir a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (de 1914 a 1918), donde también trabajó como conserje para sufragar los gastos. Después de graduarse, Motley eligió enfocar su arte en temas relacionados con la vida afroamericana. Este retrato de su abuela, que nació como esclava en Kentucky en 1842, es venerable y digno, los efectos del tiempo y el trabajo duro son visibles en sus manos y rostro. Vivió hasta los 87 años. El trabajo, terminado cuando Motley todavía era un desconocido, puede haber sido pintado en una bolsa de lavandería desechada del Ferrocarril Central de la línea de tren de su padre.

Hale Woodruff, Robert Blackburn, Paseo del domingo, publicado en 1996, linograbado en negro con chine-collé sobre papel tejió, Colección Corcoran (Obsequio de E. Thomas Williams, Jr. y Auldlyn Higgins Williams en memoria de Thurlow Evans Tibbs, Jr.), 2015.19.3032.8

Hale Woodruff, junto a Aaron Douglas, Richmond Barthé y Archibald John Motley Jr., se encuentra entre los principales artistas visuales del Renacimiento de Harlem. Robert Blackburn, artista afroamericano también acreditado por este trabajo, fundó el Printmaking Workshop en Nueva York, donde enseñó litografía y ediciones impresas para artistas, como éste. Todos los artistas antes mencionados nacieron y vivieron fuera de Nueva York, pero finalmente se mudaron a Harlem, atraídos por su escena artística magnética. Al hacerlo, se unieron a muchos afroamericanos en el éxodo hacia el norte que se conoció como la Gran Migración. Woodruff estudió arte en la Universidad de Harvard y en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, además de trabajar en París, donde abrazó los estilos modernos de pintura. Además, estudió con el muralista mexicano Diego Rivera, a quien admiraba por los temas de justicia social que perseguía en su arte.

Paseo del domingo, parte de una serie de trabajos que Woodruff realizó mientras vivía en Atlanta durante la Depresión, muestra a dos parejas y una mujer vistiendo sus mejores galas de domingo. Una iglesia se encuentra detrás de ellos en un punto en la parte superior de la composición y subraya la centralidad de la vida espiritual en la comunidad afroamericana. El aspecto de los paseos hacia fuera contrasta con las modestas estructuras de madera que también se muestran en la imagen. Woodruff también realizó un trabajo con carga política que trataba gráficamente del linchamiento, un tema que se sintió obligado a enfrentar con su arte. Durante la primera parte del siglo XX, la NAACP y otros grupos trabajaron para promover la legislación contra los linchamientos, que nunca se aprobó.

James Van Der Zee, Familia Garveyite, Harlem, 1924, impresión en gelatina de plata, impresa en 1974, Colección Corcoran (regalo de Eric R. Fox), 2015.19.4388

James Van Der Zee abrió el Guarantee Portrait Studio en Harlem en 1917. Capturó los rostros y las vidas de las personas que vivían en Harlem: sus famosos animadores, artistas, líderes y una creciente clase media negra. También llevó su cámara a los lugares que consideraban propios: hogares, salas de billar, peluquerías, iglesias y clubes. La obra de Van Der Zee constituye una importante crónica de la vida negra de la época. Esta familia bien vestida estaba asociada con el movimiento de Marcus Garvey, la Asociación Universal para el Mejoramiento del Negro (UNIA). UNIA abogó por que los estadounidenses negros (y otros de la diáspora africana) emigraran a África para poblar y desarrollar aún más Liberia, el único estado no colonial del continente. Van Der Zee fue contratado por la UNIA para registrar y documentar sus marchas, desfiles y miembros, quienes adoptaron una apariencia cuasimilitarista. La UNIA se convirtió en un movimiento de masas de más de 200.000 miembros durante la década de 1920, una época en la que el Ku Klux Klan había resurgido como un grupo nacionalista blanco. Garvey fue declarado culpable de fraude postal en 1927 y deportado a su Jamaica natal. Sin su liderazgo, el movimiento se desvaneció.

James Van Der Zee, Equipo de baloncesto Alpha Phi Alpha, 1926, impresión en gelatina de plata, Corcoran Collection (The Evans-Tibbs Collection, Gift of Thurlow Evans Tibbs, Jr.), 2015.19.4507

Este retrato de un equipo de baloncesto universitario muestra a un grupo serio de jóvenes unidos por su afiliación a su fraternidad y su equipo de baloncesto. Alpha Phi Alpha fue la primera fraternidad interuniversitaria afroamericana en los Estados Unidos, su primer capítulo fundado en 1906 en la Universidad de Cornell en Ithaca, Nueva York. La fraternidad brindó apoyo, grupos de estudio y, más tarde, oportunidades para participar en deportes interuniversitarios en un momento en que no se permitía a los jugadores negros en los equipos universitarios. Observe cómo cada jugador está cuidadosamente posado y forma un arreglo simétrico en los escalones de la fraternidad, mostrando su integridad como grupo mientras irradia su determinación de triunfar en un país dividido racialmente.

Norman Lewis, Jazz, C. 1938, litografía en negro sobre papel avitelado, Colección Reba y Dave Williams, Fondo Florian Carr y Donación de la Print Research Foundation, 2008.115.193

Al igual que Aaron Douglas, Norman Lewis estaba en sintonía con la importancia del jazz y el blues, especialmente al crecer en Harlem durante el apogeo del Renacimiento de Harlem. Con solo 19 años cuando creó este grabado, la obra muestra una calidad moderna y abstracta mientras captura visualmente el sentido de la música que produce este cuarteto de músicos, que parecen balancearse en el espacio de la imagen, emulando el ritmo de la música.

Lewis fue influenciado por los escritos de Alain Locke, un intelectual, empresario y líder del Renacimiento de Harlem que abogó por que los artistas visuales negros exploraran el carácter distintivo de su experiencia y cultura. El jazz es una forma de arte híbrida con muchas influencias, incluida la música de África occidental. En 1935, Lewis vio Arte Negro Africano, una exposición estadounidense temprana (en el Museo de Arte Moderno de Nueva York) de esculturas, textiles y objetos africanos mostrados como obras de arte estéticas en lugar de artefactos etnográficos. Luego, Lewis comenzó una fase de dibujo de máscaras africanas imaginadas (consulte el tablero de Pinterest asociado para ver un ejemplo). La apariencia similar a una máscara de las figuras de esta obra también puede haber sido influenciada por la exposición.

La actividad de grabado de Lewis a lo largo de su carrera fue limitada; realizó impresiones para el Proyecto de Arte Federal (FAP) de la Administración de Progreso de Obras durante los años de la Depresión y varias ediciones de forma independiente en la década de 1940, después de lo cual regresó al grabado solo esporádicamente. Después de la década de 1940, Lewis adoptó la abstracción en su arte y se hizo famoso en la década de 1950 y más allá por sus pinturas a gran escala, una de las cuales también se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Arte (ver el tablero de Pinterest relacionado). También es notable entre los artistas que participaron en la FAP, como grabadores, muralistas y maestros, que luego se convirtieron en destacados artistas abstractos, incluidos Jackson Pollock, Willem de Kooning y Jacob Lawrence.

Isac Friedlander, Rapsodia en negro, 1931, grabado en madera, Colección Reba y Dave Williams, Donación de Reba y Dave Williams, 2008.115.1943

Isac Friedlander, un grabador blanco que emigró a los Estados Unidos en 1929, nos recuerda que el Renacimiento de Harlem y su exuberante vida nocturna también fue una atracción para los blancos de mentalidad progresista que viajaban a Harlem para participar del entretenimiento, que generalmente se producía en su totalidad. escrito e interpretado por artistas y empresarios negros. Aquí, un líder de banda con sombrero de copa dirige a un grupo de cantantes con túnica, una orquesta de jazz y un pianista en un vibrante evento musical. La técnica de grabado en madera que utilizó Friedlander es un proceso en el que el artista usa líneas blancas o negativas para describir la imagen (piense en dibujar en una pizarra negra). La técnica puede producir detalles matizados debido a la madera de grano muy fino que se utiliza para el proceso. La naturaleza del medio permitió a Friedlander capturar la sensación de un club nocturno oscuro con los rostros de los artistas iluminados por las luces del escenario. Esta escena dinámica pudo haber sido capturada por Friedlander antes del inicio de la Depresión.

Alfred Stieglitz, Exposición Brancusi en 291, 1914, impreso en 1924/1937, impresión en gelatina de plata, Colección Alfred Stieglitz, 1949.3.353

Esta es una imagen que documenta una exposición de esculturas en una galería de 1914 de Constantin Brancusi, un modernista rumano que trabajó en París y fue muy influenciado por las formas del arte africano. En ese momento, marchantes de arte franceses y belgas estaban importando arte de África Occidental a los Estados Unidos. Este arte había llamado la atención y el interés de artistas que trabajaban en París a principios del siglo XX, incluidos Pablo Picasso, Henri Matisse, Paul Gauguin, Amedeo Modigliani, Brancusi y otros, que buscaban nuevas formas de expresar lo moderno. era y un nuevo siglo. Encontraron inspiración en las formas a menudo abstractas y estilizadas del arte africano, así como en el arte de otras culturas no occidentales y de la antigüedad. La relación de los europeos con el arte de África conlleva una dinámica compleja que plantea interrogantes sobre quién tiene derecho a apropiarse e interpretar el patrimonio de otra cultura. Una generación después de los modernistas parisinos, los artistas del Renacimiento de Harlem también tomaron prestado de las formas del arte africano como un medio para reconectarse y expresar orgullo por su herencia africana.

Pablo Picasso, Cabeza de mujer (Fernande), modelo 1909, fundido antes de 1932, bronce, Fondo Permanente de Patronos y Donación de Mitchell P. Rales, 2002.1.1

Muchos europeos asimilaron las influencias del arte africano, incluido el artista español Pablo Picasso, que solía trabajar en París.

A la izquierda, la cabeza modelada y fundida de la compañera de Picasso, Fernande Olivier, tiene un estilo cubista. El cubismo hizo añicos las ideas de cómo el espacio y los objetos podrían representarse en el arte. Por primera vez, el arte no intentaba reproducir la apariencia de una persona u objeto. En cambio, los objetos y los sujetos de los retratos, como éste, se fracturaron en planos y superficies más pequeños. El cubismo estaba destinado a retratar la forma en que el artista ve y percibe el tema. El artista moderno David Hockney ha señalado: “El cubismo fue un ataque a la perspectiva que se había conocido y utilizado durante 500 años. Fue el primer gran, gran cambio. Confundía a la gente: decían: '¡Las cosas no se ven así!' ”. Parte de la inspiración de Picasso por el cubismo deriva de su interés por el arte africano y, en particular, por las máscaras, que coleccionaba y conservaba en su estudio de París.

Amedeo Modigliani, Cabeza de mujer, 1910/1911, piedra caliza, Colección Chester Dale, 1963.10.241

Amedeo Modigliani, un artista de Italia, también trabajó en París, una vibrante capital cultural que atraía a jóvenes artistas de toda Europa. Su trabajo no abarca el cubismo, pero abstrajo los rasgos de su Cabeza de mujer alargándolos, quizás emulando máscaras africanas o esculturas arcaicas. A su vez, los artistas de generaciones posteriores, como los del Renacimiento de Harlem, se interesaron tanto por los valores del arte moderno, que rechazaba los estilos artísticos y las tradiciones del pasado, como por el arte africano, que se desarrolló a lo largo de una trayectoria distinta, independiente de Europa.

Walker Evans, Figura de mujer, Laongo, 1935, impresión en gelatina de plata, Donación de Samuel y Marilyn Stern, 1991.119.17

Esta obra de arte fue una de las 600 presentadas en una exposición de 1935 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, titulada Arte Negro Africano. La exposición marcó la primera vez que los objetos culturales no occidentales se mostraron en una galería de arte moderno como objetos de arte estético en lugar de artefactos etnográficos. Al hacerlo, el museo reconoció la influencia significativa del arte africano, comercializado desde países africanos colonizados, en el arte moderno occidental.

Walker Evans, Máscara policromada, 1935, impresión en gelatina de plata, Donación de Samuel y Marilyn Stern, 1991.119.6

En 1935, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó la exposición Arte Negro Africano. El énfasis de la exposición en las cualidades estéticas de los objetos llevó al museo a omitir información sobre su contexto cultural y uso ceremonial o significado, lo que impidió a los visitantes acceder a una comprensión más profunda de los orígenes de los objetos. Por ejemplo, el título de esta máscara no ofrece información cultural, como el hecho de que sea de Gabón o de la República del Congo, pueblo Kwele. ¿Qué puedes descubrir sobre el arte de África Occidental y sus características?

Walker Evans, Figura de una mujer joven, Pahouin, frontera de Guinea Española, 1935, impresión en gelatina de plata, Donación de Samuel y Marilyn Stern, 1991.119.10

Hoy en día, la cultura Pahouin a la que se hace referencia en el título de este objeto se conoce más comúnmente como Fang o Fãn, un grupo étnico centroafricano.

La exposición de 1935 del Museo de Arte Moderno, Arte Negro Africano, fue fotografiado por Walker Evans, quien puede ser mejor conocido por sus fotografías que documentan los efectos de la Depresión en las zonas rurales de Estados Unidos. Evans produjo una carpeta que contenía 477 copias de Arte Negro Africano la mayoría de estos juegos se entregaron a colegios y universidades afroamericanos en los Estados Unidos.


La vida en el taller de un artista del Renacimiento - Historia

La vida durante el Renacimiento (1450-1600) fue interesante. La peste negra influyó en el desarrollo del Renacimiento. El 80% de la población murió a causa de ella. Golpeó durante 1350 y terminó en 1450. Después, la gente pensó que había redescubierto la cultura del Imperio Romano. Y eso provocó el Renacimiento o “renacimiento”.

Las clases sociales eran gobierno, ciudadanos y gente pobre. Su clase estaba determinada por su trabajo, dinero y si tenía poder gubernamental. También su clase determinó la comida y la moda disponibles.

La gente pobre trabajaba en granjas. No podían dejar la tierra que cultivaban. Se vistieron y comieron con sencillez. Comieron mucho pan y otras comidas sencillas. Sus casas eran realmente pequeñas con un máximo de cuatro habitaciones.

Los ciudadanos eran todos los que no eran agricultores. Tenían mucho tiempo libre y disfrutaban contando historias. Podían comer cosas más caras y les gustaba viajar. Comían mucho pan, y si eras ciudadano francés comías mucha sopa. Las capuchas, los ásperos y las pelucas fueron populares en el siglo XV entre las clases media y alta. Tenían casas medianas o grandes. En su tiempo libre, podían ver justas o juegos de espada. Las justas eran una forma de entrenamiento militar. Los caballeros se enriquecieron con los eventos de espadas. El juego de espadas era una forma más suave de justas.

El gobierno estaba compuesto por ciudadanos ricos. Sus casas eran pequeños palacios o villas. Iban a banquetes y comían cosas como sopa, vino y carne. Las sopas eran realmente caras. Había 70 tipos de sopas francesas.

El comercio era importante porque permitía que se movieran productos como las especias o la seda. Esto permitió que aparecieran productos exóticos por todas partes. El comercio aumentó durante el Renacimiento. Algunos centros comerciales importantes fueron Florencia, Venecia y Asia. Había puertos por todas partes. Los billetes se utilizaron más que las monedas. Las casas de los comerciantes eran sus tiendas. Hicieron esto para proteger los bienes del robo. Algunas importaciones cambiaron el mundo durante el Renacimiento. Los ejemplos incluyen la batata y el pavo. La batata y el pavo llegaron de América en 1492. Así era el comercio en el Renacimiento. Informe combinado de Dell Zimmerman y Emily Fisher sobre la vida cotidiana en el Renacimiento


Características del Renacimiento

La prensa impresa

"La demanda de reproducciones perfectas de los textos y el renovado enfoque en su estudio ayudó a desencadenar uno de los mayores descubrimientos en toda la historia de la humanidad: la impresión con tipos móviles. Para mí, esta es la más fácil y única más desarrollada del Renacimiento y permitida cultura para desarrollar ", dijo Wilde a WordsSideKick.com. La imprenta fue desarrollada en Europa por Johannes Gutenberg en 1440. Permitió que Biblias, libros profanos, música impresa y más se hicieran en grandes cantidades y llegaran a más personas. [Relacionado: Cómo Gutenberg cambió el mundo]

Movimiento intelectual

Wilde dijo que uno de los cambios más significativos que ocurrieron durante el Renacimiento fue la "evolución del humanismo renacentista como método de pensamiento ... Esta nueva perspectiva sustenta gran parte del mundo entonces y ahora".

Wilde describió el humanismo renacentista como "intentos del hombre de dominar la naturaleza en lugar de desarrollar la piedad religiosa". El humanismo renacentista recurrió a los textos clásicos griegos y romanos para cambiar el pensamiento contemporáneo, lo que permitió una nueva mentalidad después de la Edad Media. Los lectores del Renacimiento entendieron estos textos clásicos como enfocados en decisiones, acciones y creaciones humanas, en lugar de seguir sin cuestionar las reglas establecidas por la Iglesia Católica como "el plan de Dios". Aunque muchos humanistas del Renacimiento siguieron siendo religiosos, creían que Dios les daba oportunidades a los humanos y que era el deber de la humanidad hacer lo mejor y más moral. El humanismo renacentista fue una "teoría y práctica ética que enfatizó la razón, la investigación científica y la realización humana en el mundo natural", dijo Abernethy.

El arte renacentista estuvo fuertemente influenciado por el arte clásico, escribió Virginia Cox en "Una breve historia del Renacimiento italiano". Los artistas recurrieron a la escultura, la pintura y las artes decorativas griegas y romanas en busca de inspiración y también porque sus técnicas encajaban con la filosofía humanista del Renacimiento. Tanto el arte clásico como el renacentista se centraron en la belleza humana y la naturaleza. Las personas, incluso en obras religiosas, fueron representadas viviendo la vida y mostrando emociones. Las técnicas de perspectiva, luces y sombras mejoraron y las pinturas parecían más tridimensionales y realistas.

Los patrocinadores hicieron posible que los artistas renacentistas de éxito trabajaran y desarrollaran nuevas técnicas. La Iglesia Católica encargó la mayoría de las obras de arte durante la Edad Media, y aunque continuó haciéndolo durante el Renacimiento, las personas adineradas también se convirtieron en patrocinadores importantes, según Cox. Los patrocinadores más famosos fueron la familia Medici en Florencia, que apoyó las artes durante gran parte de los siglos XV y XVI. La familia Medici apoyó a artistas como Miguel Ángel, Botticelli, Leonardo da Vinci y Rafael.

Florencia fue el epicentro inicial del arte renacentista, pero a finales del siglo XV Roma la había superado. El Papa León X (un Medici) llenó ambiciosamente la ciudad con edificios religiosos y arte. Este período, desde la década de 1490 hasta la de 1520, se conoce como Alto Renacimiento.

Al igual que con el arte, las innovaciones musicales del Renacimiento fueron posibles en parte porque el patrocinio se expandió más allá de la Iglesia Católica. Según el Museo Metropolitano de Arte, las nuevas tecnologías dieron como resultado la invención de varios instrumentos nuevos, incluida la familia del clavicémbalo y el violín. La imprenta permitió una mayor difusión de las partituras.

La música renacentista se caracterizó por sus rasgos humanistas. Los compositores leían tratados clásicos sobre música y tenían como objetivo crear música que conmoviera emocionalmente a los oyentes. Comenzaron a incorporar letras de manera más dramática en las composiciones y consideraron que la música y la poesía estaban estrechamente relacionadas, según el Museo Metropolitano de Arte.

La literatura del Renacimiento también se caracterizó por temas humanistas y un retorno a los ideales clásicos de la tragedia y la comedia, según el Departamento de Inglés del Brooklyn College. Las obras de Shakespeare, especialmente "Hamlet", son buenos ejemplos de esto. Se abrazan temas como la agencia humana, los significados no religiosos de la vida y la verdadera naturaleza del hombre, y Hamlet es un hombre educado del Renacimiento.

Sociedad y economía

El cambio social más prevalente durante el Renacimiento fue la caída del feudalismo y el surgimiento de una economía de mercado capitalista, dijo Abernethy. El aumento del comercio y la escasez de mano de obra causada por la peste negra dieron lugar a una especie de clase media. Los trabajadores podían exigir salarios y buenas condiciones de vida, y así terminó la servidumbre.

"Los gobernantes comenzaron a darse cuenta de que podían mantener su poder sin la iglesia. No había más caballeros al servicio del rey y campesinos al servicio del señor de la mansión", dijo Abernethy. Tener dinero se volvió más importante que sus lealtades.

Debido a una serie de factores & mdash incluyendo la Peste Negra, el aumento del comercio, el desarrollo de una clase media y el traslado temporal del papado de Roma a Aviñón (1309-1377) & mdash, la influencia de la Iglesia Católica fue menguando a medida que comenzó el siglo XV. . El resurgimiento de los textos clásicos y el surgimiento del humanismo renacentista cambiaron el enfoque de la sociedad hacia la religión y la autoridad del papado, dijo Abernethy. "[El humanismo] creó una atmósfera que dio lugar a diferentes movimientos y sectas ... Martín Lutero enfatizó la reforma de la Iglesia Católica, queriendo eliminar prácticas como el nepotismo y la venta de indulgencias", dijo Abernethy.

"Quizás lo más importante es que la invención de la imprenta permitió la difusión de la Biblia en otros idiomas además del latín", continuó Abernethy. "La gente común ahora podía leer y aprender las lecciones de las Escrituras, lo que llevó al movimiento evangélico". Estos primeros evangélicos enfatizaron la importancia de las Escrituras en lugar del poder institucional de la iglesia y creían que la salvación era conversión personal en lugar de indulgencias u obras.

Sedientos de aprender más sobre el mundo y deseosos de mejorar las rutas comerciales, los exploradores zarparon para trazar nuevas tierras. Colón "descubrió" el Nuevo Mundo en 1492 y Fernando de Magallanes se convirtió en la primera persona en dar la vuelta al mundo con éxito a principios del siglo XVI.

A medida que los eruditos estudiaron los textos clásicos, "resucitaron la creencia griega antigua de que la creación se construyó alrededor de leyes y razonamientos perfectos", dijo Abernethy. "Hubo una escalada en el estudio de astronomía, anatomía y medicina, geografía, alquimia, matemáticas y arquitectura tal como las estudiaban los antiguos".

Uno de los principales descubrimientos científicos del Renacimiento provino del matemático y astrónomo polaco Nicolaus Copernicus. En la década de 1530, publicó su teoría de un sistema solar heliocéntrico. Esto coloca al sol en el centro del sistema solar en lugar de la Tierra. Fue un gran avance en la historia de la ciencia, aunque el libro de Copérnico fue prohibido por la Iglesia Católica.

El empirismo comenzó a apoderarse del pensamiento científico. "Los científicos se guiaron por la experiencia y el experimento y comenzaron a investigar el mundo natural a través de la observación", dijo Abernethy. "Este fue el primer indicio de una divergencia entre ciencia y religión.

Se les reconocía como dos campos separados, lo que creaba un conflicto entre los científicos y la iglesia y provocaba que los científicos fueran perseguidos ", continuó Abernethy." Los científicos encontraron que su trabajo fue suprimido o que fueron demonizados como charlatanes y acusados ​​de incursionar en la brujería, y a veces ser encarcelado ".

Galileo Galilei fue un importante científico del Renacimiento perseguido por sus experimentos científicos. Galileo mejoró el telescopio, descubrió nuevos cuerpos celestes y encontró apoyo para un sistema solar heliocéntrico.Realizó experimentos de movimiento en péndulos y objetos en caída que allanaron el camino para los descubrimientos de Newton sobre la gravedad. La Iglesia Católica lo obligó a pasar los últimos nueve años de su vida bajo arresto domiciliario.

Cómo el Renacimiento cambió el mundo

"El Renacimiento fue una época de transición del mundo antiguo al moderno y sentó las bases para el nacimiento de la Era de la Ilustración", dijo Abernethy. Los avances en la ciencia, el arte, la filosofía y el comercio, así como los avances tecnológicos como la imprenta, dejaron impresiones duraderas en la sociedad y sentaron las bases para muchos elementos de nuestra cultura moderna.


Ver el vídeo: Historia del Arte: Renacimiento (Noviembre 2021).

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